Obertura “Candide” de Leonard Bernstein (1918- 1990) (Estados Unidos)

Concierto para violín y orquesta de Behzad Ranjbaran ( 1955-) (Irán - Estados Unidos)

                                                         Estreno en México

Intermedio

Fanfarria para el hombre común de Aarón Copland (1900-1990) (Estados Unidos)

Adagio para cuerdas de Samuel Barber ( 1910-1981) (Estados Unidos)

Un Americano en París de George Gershwin (1898 - 1937) (Estados Unidos)

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BIOGRAFIA

TOSHIYUKI SHIMADA

WILLIAM HARVEY

WILLIAM HARVEY, violín

William Harvey se desempeña como profesor de violín y viola en el ANIM (Afganistan National Institure of Music), además de ser conductor de la Afghan Youth Orchestra. Nació y residió en los Estados Unidos graduándose de la Juilliard School y la Indiana University. También estudió violín con Mimi Zweig y Ronald Copes, y composición con Samuel Adler. Sus composiciones han sido interpretadas cientos de veces, además de que él mismo ha dirigido orquestas en las Filipinas, Qatar, México, y los Estados Unidos.

En diciembre de 2007, William Harvey hizo su debut en el Carnegie Hall con la New York Youth Symphony. En ese mismo año se estrenó en las Filipinas el Elgar Concerto en compañía de la Manila Symphony Orchestra, realizado también una gIra en Qatar con la Juilliard Jazz Ensemble. Antes de obtener el M.M. de Juilliard, donde estudió con Ronald Copes, ganó el concurso de violín de esa prestigiada escuela. Gracias a ese premio, tuvo la oportunidad de tocar en el concierto de Behzad Ranjbaran con la Juilliard Orchesta dirigida por Gerard Schwarz.

Entre sus trabajos, destacan sus solos en las orquestas de Carnegie Hall (La cual fue publicada en el New York Times) y en la Alice Tully Hall. Asimismo se desempeñó como maestro de ceremonias en la Spokane Symhony y la Juilliard Orchesta. También estuvo trabajando en la Indiana University String Academy y el Festival Musical de Las Vegas. Asimismo fue solista con la Manila Symphony Orchesta y la Music Academy of the West.

De igual manera trabajó en Pakistan, done se encargó de liderar una gira de conciertos de siete escuelas, y habló de la amistad entre Pakistán y Estados Unidos en televisión nacional. Dio un discurso en la Aga Khan University, y realizó presentaciones en vivo junto con el grupo de rock Irtaash y el rapero Adil Omar.

Willian Harvey fundó y dirigió elCultures in Harmony, que es una organización sin fines de lucro que ha conducido 22 proyectos en 12 países diferentes para promover el entendimiento cultural a través de la música. Esta organización ha compuesto con los huérfanos con sida en Zimbabue, las niñas en una situación desfavorable en Egipto, y con la tribu Yoro en Papua Nueva Guinea. Igualmente ha creado talleres enfocados a los jóvenes que deseen interpretar música clásica, los cuales han beneficiado a miles de estudiantes en África y Asia.

TOSHIYUKI SHIMADA, director

Toshiyuki Shimada es un director de orquesta cuya gran experiencia y vital servicio a las comunidades en que dirige, le hace estar en gran demanda, ya que es Director de Música tanto de la Eastern Connecticut Symphony Orchestra en Connecticut y de la Orquesta de Southern Finger Lakes en Nueva York, como Director de Música de la Yale Symphony Orchestra de dicha universidad. Además, desde 1998 ha colaborado como Director Principal para la etiqueta Austriaca de Vienna Modern Masters. Por otro lado, es Director Laureado de la Portland Symphony Orchestra, en Portland, Maine, donde fue Director Musical de 1986 a 2006. Antes de este cargo fue Director Asociado de la Houston Symphony por seis años, desde 1981.

Con frecuencia el Maestro Shimada es Director Invitado a numerosas orquestas internacionales, como la Lithuanian State Symphony Orchestra en Vilnius; la Orquesta Filarmónica de Jalisco, Guadalajara, México; la Moravian Philharmonic Orchestra, Karlovy Vařy (Karlsbad) Symphony Orchestra, la Prague Chamber Orchestra, la Slovak Philharmonic, NÖ Tonkünstler Orchestra en Vienna; en Francia, L’Orchestre National de Lille y para el Festival de Edimburgo, la Royal Scottish National Orchestra. Se le ha invitado a dirigir a la Houston Symphony, la Honolulu Symphony Orchestra, Chautauqua Symphony Orchestra, San José Symphony Orchestra; a la Boston Pops Orchestra, Pacific Symphony Orchestra, New York Chamber Orchestra, Edmonton Symphony Orchestra, así como a muchas otras orquestas de los Estados Unidos y Canadá.

Cabe mencionar que en mayo y Junio de 2010, la Yale Symphony Orchestra y el Maestro Shimada tuvieron un enorme éxito en su tour por la República de Turquía, donde se presentaron en Estambul, Ankara e Izmir, con una gran cobertura de los medios, que incluyó a la CNN y la Televisión Nacional de Turquía. In 2008, la YSO viajó por Italia, donde dieron conciertos en Roma, Florencia, Bolonia y Milán. La primavera pasada se le invitó a dirigir la última temporada de la United States Coast Guard Band; el director invitado de la temporada anterior había sido Leonard Slatkin.

De 2007 a1 2009 fue Director Artístico de la Tulare County Symphony Orchestra en California, Director Musical de la Nassau Symphony Orchestra en Nueva York, Director Musical de Cambiata Soloists, ensamble de música contemporánea de Houston, Director de Música de la Shepherd School Symphony Orchestra en la Universidad de Rice y, también, Director Musical de la Young Musicians Foundation Debut Orchestra en Los Ángeles.

Su colaboración con artistas notables incluye a: Itzhak Perlman, Andre Watts, Peter Serkin, Emanuel Ax, Yefim Bronfman, Idil Biret, Janos Starker, Joshua Bell, Hilary Hahn, Nadjia Salerno-Sonnenberg, Cho-Liang Lin, Sir James Galway, Evelyn Glennie, Barry Tuckwell y Doc Severinsen.

El Maestro Shimada tuvo la buena fortuna de estudiar con muchos directores distinguidos del pasado y del presente, incluyendo a Leonard Bernstein, Herbert von Karajan, Herbert Blomstedt, Hans Swarovsky y Michael Tilson Thomas. En 1979 fue finalista en el Concurso de Dirección Herbert von Karajan en Berlín y en 1983, Fellow Conductor para Los Angeles Philharmonic Institute. Como si esto fuera poco, en 2003, Ariel Records le nombró Ariel Musician of the Year; obtuvo el premio ASCAP. Se graduó en la California State University, Northridge, estudiando con David Whitwell y Lawrence Christianson, y asistió a la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena.

Su carácter y cualidades personales le han convertido en parte integral y miembro de cada comunidad a la que se une. Recibió el Premio al Mérito del Departamento de Bomberos de Portland, Maine, el Maine Publicity Bureau Cultural Award y el Italian Heritage Society Cultural Award, además de días especiales que se han dedicado en su honor: Día Toshiyuki Shimada en Houston, TX; Semana Toshiyuki Shimada en Portland, Maine; Día Toshiyuki Shimada en el Estado de Maine. El Maine College of Arts le otorgó Doctorado Honorario en Arte. La Universidad de Yale le eligió Miembro del Consejo de Gobierno del Davenport College y miembro honorario del Club Isabelino.

Graba para la marca Vienna Modern Masters, con la Moravian Philharmonic y ya tiene quince discos con esta última. También ha grabado para Capstone Records, Querstand-VKJK (Alemania) y Albany Records. La marca Naxos dio a conocer su grabación de Skyscrapers de Gregory Hutter.

Shimada es Maestro en la Universidad de Yale como Profesor Asociado de Dirección en el Departamento de Música de la Escuela de Música de Yale; vive en Connecticut, EE.UU., con su esposa, la pianista concertista Eva Virsik.

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ORQUESTA FILARMONICA DE JALISCO

Por iniciativa del Maestro José Rolón, en el año de 1915, un grupo de músicos jaliscienses comenzaron a ofrecer al público de Guadalajara, audiciones de cámara y sinfónicas, que establecieron las bases de la que sería la Orquesta Sinfónica de Guadalajara.

Entre 1915-1924, la Orquesta fue manejada por la Sociedad de Conciertos que funcionaba mediante una mesa directiva, recibiendo apoyo económico de la iniciativa privada y una subvención del Gobierno Estatal, que fue suspendida en 1923, decisión que provocó la disolución del organismo. Los músicos sin embargo, siguieron trabajando para impedir que la Orquesta desapareciera. Cabe destacar que esta actitud de compromiso con la música, permitió que Gobernador José Guadalupe Zuno, entregara recursos a la orquesta de nueva cuenta; debe mencionarse la dedicación que Don Pedro González Peña tuvo para la Orquesta hasta el 1939. En febrero de 1942, cuando Guadalajara celebraba el 4º centenario de su fundación, paseaba por la ciudad el Mtro. Leslie Hodge, quien escuchó la interpretación de varias piezas clásicas por algunos músicos, que lo entusiasmaron y al tiempo los alentó a formar una orquesta.

Tras esta iniciativa se le invitó a organizarla y dirigirla pero sus compromisos se lo impidieron en ese momento. Bajo promesa quedó en regresar una vez concluida la Segunda Guerra. En vista del ofrecimiento del maestro la Asociación de Amigos de la Música solicitó al Gobernador Marcelino García Barragán su apoyo para garantizar la permanencia de la orquesta. El maestro Leslie Hodge se convirtió en el primer director de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara. Este patrocinio se mantuvo hasta 1950 en el que se formó Conciertos Guadalajara A.C., que se encargó de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara con subvenciones económicas de los gobiernos estatal y municipal, así como de la iniciativa privada.
En 1971 la Orquesta Sinfónica de Guadalajara pasó a ser un organismo del Departamento de Bellas Artes del Estado de Jalisco.

La Orquesta Sinfónica de Guadalajara tuvo como titulares a Leslie Hodge, Abel Eisemberg, Helmut Goldman, Eduardo Mata, Kenneth Klein, Hugo Jan Huss, Francisco Orozco. En 1988, la Orquesta Sinfónica de Guadalajara cambia de nombre, con lo que nace la Orquesta Filarmónica de Jalisco con la misión de que la actividad sinfónica se extienda a todo el Estado, teniendo como titulares a los maestros Manuel de Elías, José Guadalupe Flores, Guillermo Salvador y Luis Herrera de la Fuente, además de contar con directores invitados como Gloria Isabel Ramos Triano, György Vashegyi, Klauspeter Seibel, Johannes Wildner, entre otros.

Han participado con ella solistas de renombre internacional como Paul Badura-Skoda, Claudio Arrau, Jörg Demus, Henryck Szeryng, Nicanor Zabaleta, Plácido Domingo, Kurt Rydl, Alfred Brendel, Bernard Flavigny, Jean Pierre Rampal, Carlos Prieto, Narciso Yepez, Gary Karr, Rosa Torres Pardo, Jose María Gallardo del Rey, Ramón Vargas, Christopher Hinterhuber, Luciano Pavarotti, Ernst Ottensamer, Gergely Bogányi, Mariusz Patyra, Joaquín Achúcarro, Vladimir Viardo, Markus Groh, Lilya Zilberstein, Johannes Moser, Daniel Müller-Schott, Ingolf Turban, entre otros.

El Mtro. Héctor Guzmán, como titular en la actualidad ha conformado una orquesta bajo una estricta disciplina con la que se garantizan los estándares de excelencia que la orquesta requiere para la interpretación de las grandes partituras del repertorio sinfónico.
La Orquesta Filarmónica de Jalisco debe ser entendida como un paso adelante en la consolidación de nuestra larga tradición orquestal; un legítimo esfuerzo que busca beneficiar a las mayorías y que se sitúa por encima de intereses de personas o de grupos.

El ahora director emeritus Héctor Guzmán dirigió la orquesta del 2004 al 2010.

Miembros

Artistas invitados:

Ana Silvia Guerrero González, piano
Alejandro Zamora Ruíz, trombón
Jorge Rivero Tirado, oboe
Félix Humberto Becerra Alvizo, percusión
José Teodoro Macías Pérez, saxofón tenor
Cornelio Vásquez Duarte, saxofón alto
Imuris Alejandra Ulloa Morales, clarinete

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NOTAS AL PROGRAMA

LEONARD BERNSTEIN, compositor

Por John Mauceri

Pocos compositores pueden capturar el espíritu de su época y convertirse en voz representativa de su tiempo. Leonard Bernstein encontró su propia voz a principios de 1940 y proyectó el sonido urbano de la América citadina del período entre la Guerra Mundial II hasta los movimientos pacifistas de 1970 y la restauración de la libertad en Europa con la caída del Muro de Berlín y el derrocamiento del comunismo soviético.

Cuando Leonard Bernstein compone para pequeños conjuntos, orquestas sinfónicas, Broadway, películas y salas de ópera, proyecta un sencillo mensaje de comprensión y esperanza al utilizar formas y estilos a la vez complejos y sencillos, pero siempre suena como “Bernstein”, voz bien reconocida en su partitura para West Side Story (Amor Sin Barreras).

Al explorar su producción se encuentra lo famoso y lo oscuro, trabajos que a la vez reflejan su tiempo y, de algún modo, lo conservan y encapsulan. En todos lados se percibe su lucha interna para sonar tan inevitable como el despliegue mismo de la tumultuosa era de la segunda mitad del siglo XX. Se le asocia a la vez con la música de Benjamin Britten y Dimitri Shostakovich, así como con George Gershwin y Aaron Copland.

En tanto que su música encuentra su nicho espiritual en su visión del mundo, también nos habla con un nuevo acento neoyorquino, aunque naciera en Massachusetts. Su eterno amor por Europa y su sensibilidad hacia sus raíces rusas y judías jamás se alejan de su expresividad lírica, con su frágil optimismo, su soledad y humor, su demanda de aceptación, todo ello envuelto en la propulsión rítmica de un gran paisaje urbano americano. Nos lega una imagen auditiva de su tiempo y época a la vez que una eterna voz de humanidad.

SAMUEL BARBER, compositor

Samuel Barber nació en West Chester, Pensilvania, en 1910. Considerado como un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. Cursó estudios en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Algunos compañeros destacados en Curtis fueron Leonard Bernstein y Gian Carlo Menotti, el cual se convirtió en su compañero sentimental permanente, siendo Menotti quien realizó el libreto de la ópera más famosa de Barber, Vanessa, la cual fue estrenada en 1958 en la Metropolitan Opera House de Nueva York.

En 1935 ingresó en la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras.

Al año siguiente escribió su Cuarteto para cuerdas en Si menor, cuyo segundo movimiento —a sugerencia de Arturo Toscanini— arreglaría para orquesta de cuerdas dándole el título de Adagio para cuerdas(Adagio for Strings) y posteriormente, para coro mixto como Agnus Dei.

Trató de evitar el experimentalismo de otros compositores estadounidenses de su generación, prefiriendo casi hasta el final de su vida ceñirse a formas y armonías musicales relativamente tradicionales. La mayor parte de su obra es exuberantemente melódica y ha sido descrita como neorromántica, a pesar de que en algunos de sus últimos trabajos, particularmente el Tercer Ensayo para Orquesta y la Danza de la Venganza, de Medea, despliega un uso magistral de las percusiones, un mayor vanguardismo y efectos neo-Stravinskianos.

Sus canciones, acompañadas por piano u orquesta, se encuentran entre las más populares del repertorio clásico del siglo XX. Entre ellas se incluyen una serie sobre textos de Matthew Arnold (Dover Beach), originalmente escrita para cuarteto de cuerdas y barítono; las Hermit Songs, inspiradas en textos anónimos irlandeses de los siglos VIII al XIII; y Knoxville: Summer of 1915, escritas para la soprano Eleanor Steber y basadas en la introducción a A Death in the Family, un texto autobiográfico de James Agee premiado con el Premio Pulitzer de 1957.

Barber poseyó una notable voz de barítono y durante un tiempo consideró la posibilidad de convertirse en cantante profesional. Dejó unas pocas grabaciones, entre ellas una de su propia Dover Beach.

Su Sonata para piano (1949), una composición encargada por Richard Rodgers e Irving Berlin, fue interpretada por primera vez por Vladimir Horowitz, convirtiéndose en la primera gran obra estadounidense para piano estrenada por un pianista internacionalmente reconocido.

Barber compuso varias óperas; Vanessa, según el libreto de Gian Carlo Menotti fue estrenada en la Metropolitan Opera de Nueva York. Consiguió el éxito tanto con los críticos como con el público, y Barber obtuvo por ella el Premio Pulitzer de 1958. En su estreno en Europa fue recibida con frialdad, por lo que actualmente es poco representada en el Viejo Continente, si bien continúa siendo popular en EEUU.

Barber produjo varios conciertos para instrumentos solistas y orquesta: uno para violín (finalizado en 1939), uno para violonchelo, un tercero para piano y uno para flauta (un arreglo del anterior concierto de violín). El Concierto para piano y orquesta fue escrito para y estrenado en el Lincoln Center de Nueva York por el pianista John Browning el 24 de septiembre de 1962, con Erich Leinsdorf dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Boston. Por él obtuvo el Premio Pulitzer de 1963.

Barber escribió igualmente a comienzos de los años sesenta una obra virtuosa para órgano y orquesta, la Toccata festiva, para el famoso organista E. Power Biggs. La New York Philharmonic le encargó también un concierto para oboe, del que solamente pudo componer su movimiento lento central antes de su muerte.

Entre sus trabajos puramente orquestales, se encuentran sus dos sinfonías de 1936 y 1944, la obertura La escuela del escándalo (1932), tres ensayos para orquesta (1938, 1942 y 1978), así como Fadograph on a Yestern Scene (1973).

Compuso también obras corales de gran envergadura, como las Prayers of Kierkegaard (1954) y The lovers (1971). Prayers of Kierkegaard se basa en los escritos del filósofo existencialista danés Søren Kierkegaard.

Además de la antes mencionada sonata, su repertorio para piano incluye Excursions, Three sketches, Souvenirs y otras varias piezas sencillas.

Aunque Barber nunca fue un compositor prolífico, compuso mucha menos música a raíz del fracaso de su ópera Antonio y Cleopatra. Ésta tenía un libreto escrito por el director cinematográfico y de ópera Franco Zeffirelli y había sido comisionada para la apertura en 1966 de la nueva Metropolitan Opera House. La ópera fue recibida de manera más favorable en 1975 cuando fue representada en el escenario más íntimo de la Juilliard School con la colaboración y la dirección escénica de Gian Carlo Menotti.

Samuel Barber falleció en la ciudad de Nueva York en 1981.

GEORGE GERSHWIN, compositor

Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un dedicado aprendizaje autodidacta, empezó a tocar el piano. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Liszt, Chopin o Debussy. Los referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin y Jerome Kern, compositores de Broadway de la época. Su gran sueño era el de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.

Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda. Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, La, la, Lucille. Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor. A éste siguieron otros títulos como Lady Be Good, Oh Kay!, Funny Face, Girl Crazy y Of Thee I Sing, que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlin. A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto. Fecha señalada en este sentido el 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su célebre Rhapsody in Blue. La obra despertó cierta polémica, cosa bastante común en los estrenos de las obras de muchos compositores del siglo XX, pero en poco tiempo consiguió hacerse de un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas. El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas.

En 1925 compone su Concierto para piano en fa.

George Gershwin, con mínimos estudios formales, quiso profundizar en la composición, ya que sus conocimientos eran más bien intuitivos. Las respuestas de los maestros que Gershwin consultó hablan por sí mismas, ya que ninguno de ellos consideró que su conocimiento intuitivo de la música fuera un obstáculo para él. Cuando intentó ser discípulo de Igor Stravinsky, éste le preguntó: «¿Cuánto dinero ganó usted el año pasado?». «200.000 dólares», respondió el joven Gershwin. «Entonces yo debería tomar clases con usted», respondió el maestro. Ravel se negó a darle clases, argumentando lo siguiente: «Usted perdería su gran espontaneidad melódica para componer en un mal estilo raveliano. ¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?».

Entretanto, escribió la pieza sinfónica Un americano en París, y en 1935 Gershwin estrena su ópera Porgy and Bess, un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos. A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo.

Luego de Porgy and Bess, George Gershwin comenzó a componer música para películas. Ese mismo año se mudó a California y escribió Shall we dance? (¿Bailamos?) para Fred Astaire y Ginger Rogers, y A damsel in distress (Una damisela angustiada) para Astaire, Joan Fontaine y Gracie Allen. Falleció el 11 de julio de 1937, a dos meses y medio de cumplir los 39 años, silenciando prematuramente a una de las voces musicales estadounidenses más frescas y creativas. El novelista John O’Hara resumió la actitud de muchos estadounidenses quienes se rehusaron a creer que Gershwin había muerto cuando dijo, “No lo creeré si yo no quiero”.

AARON COPLAND, compositor

Aaron Copland fue hijo de padres judíos que inmigraron de Lituania y tenían una tienda próspera en Brooklyn. Aaron fue el más joven de cinco hijos; su hermana Laurine fue quien lo introdujo a la música y al piano y, después que empezara a hacer música por su cuenta, inició sus lecciones formales de piano en 1913. Cuatro años más tarde comenzó a estudiar con Rubin Goldmark, respetable maestro de teoría y composición con quien trabajó hasta 1921 y a la vez que seguía estudiando piano. Mientras estudiaba, iba a conciertos, ópera y ballet en Nueva York y devoraba nueva música americana y europea en las bibliotecas públicas de la ciudad.

Viajó a Francia en 1921 donde se registró en el Conservatorio Americano en Fontainebleau, estudió composición con Nadia Boulanger y dirección con Albert Wolff. Permaneció en Francia por tres años viajando a muchos otros países europeos y alimentó su interés por la vida artística de la capital francesa. Boulanger le consiguió el encargo de componer un concierto para órgano que fue interpretado por ella misma y la Orquesta Sinfónica de Nueva York dirigida por Walter Damrosch y la Orquesta Sinfónica de Boston bajo Serge Koussevitzky, ambos durante 1924. De aquí surgió un fuerte interés de Koussevitzky por el compositor, encargándole otros trabajos importantes.

De regreso a Nueva York trató de mantenerse como compositor, pero las obras de este periodo, como el Concierto para Piano inspirado en el jazz y escrito en 1926, no fueron bien recibidas al principio. Era muy activo: escribía sobre música y organizaba conciertos de música nueva durante las décadas de los 20 y 30 y se pudo poner en contacto con compositores contemporáneos y de la generación anterior, quienes le hicieron maestro de compositores jóvenes en el umbral de sus carreras. A mediados de la década de los 30, Copland simplificó su estilo con intención de atraer una audiencia masiva para música dada a conocer por la radio y las películas. Varias de sus obras de esta época, como Billy the Kid, 1938 y Rodeo, 1942, se basaban en el folklore americano. Su música para el ballet Appalachian Spring, 1943-1944 obtuvo un Premio Pulitzer. Además, escribió varias pistas sonoras para películas, incluyendo Of Mice and Men, 1938 y La Heredera (1948), que ganó un Premio de la Academia. Benjamin Britten lo presentó con la editorial musical Boosey and Hawkes y publicó su música. Para finales de los 40 ya Copland era visto como el principal compositor Americano de su generación. A pesar de los intentos de implicarlo en los movimientos comunistas de principios de los 50, su reputación siguió creciendo, apoyada por un incesante programa de escribir, enseñar, dar conferencias tanto en los Estados Unidos como internacionalmente y presentaba su música con más frecuencia ayudado por colegas cercanos de creciente fama, como Leonard Bernstein. Tras su debut como director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York en 1958, Copland empezó a dirigir, desarrollando una carrera internacional en este campo por los siguientes veinte años. Además de incluir su propia música, programaba las obras de muchos otros compositores en sus conciertos y grababa frecuentemente sus propias composiciones. Dejó de componer después de 1972 ya que desde mediados de 1970 había empezado a mostrar síntomas de Alzheimer. Hacia el final de su vida se encontraba bajo supervisión médica y muere en 1990 como una reverenciada figura en la vida musical y cultural de los Estados Unidos.

Entre sus primeras grabaciones existen compases de su Sinfonía No. 3, de Statements y de Billy the Kid, grabadas con la London Symphony Orchestra para la etiqueta americana con más avances tecnológicos entonces, Everest. A demás de grabaciones de Appalachian Spring y la suite de su ópera The Tender Land, ambas por la Orquesta Sinfónica de Boston para RCA, la gran mayoría del resto de su discografía fue creada para Columbia, la etiqueta americana. Entre los puntos más destacados de las numerosas grabaciones que hiciera con otros artistas, está el Concierto para Clarinete, con Benny Goodman como solista, varias partituras inspiradas por sus viajes a México, como El Salón México y Latin American Sketches, piezas públicas y ceremoniales que incluyen Music for a Great City, Fanfare for the Common Man, y A Lincoln Portrait, así como trabajos vocales como Old America Songs, a más de una segunda versión de The Tender Land. Copland,músico completo que abarcó todo, a más de ser un dotado compositor, aún después de su muerte sigue siendo fuente de inspiración para músicos jóvenes.

BEHZAD RANJBARAN, compositor

Para Behzad Ranjabaran, los puntos más importantes de la temporada 2010-2011 incluyen una presentación de su Concierto par Piano de Jean-Ives Thibaudet y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia, dirigida por Robert Spano; la premiere en New Jersey de Seemorgh interpretada por la Orquesta Sinfónica de Nueva Jersey dirigida por Jacques Lacombe; el estreno en Nueva York de We Are One para un coro a cappella interpretado por Música Sacra y el lanzamiento por Naxos de un álbum de música de cuerdas de Ranjbaran que incluye Awakening, Cuarteto para Cuerdas, Elegía y muchas otras obras.

La música de Behzad Ranjbaran ha sido interpretada en recientes temporadas por solistas como Joshua Bell, Renée Fleming, Jean-Yves Thibaudet, Yo-Yo Ma y varios más. En la temporada 2009-2010 se estrenaron dos obras que le fueron comisionadas: el Concierto para Violín y Viola, por la Sinfónica de Virginia, dirigida por JoAnn Falletta y Mithra, para la Sinfónica de Santa Rosa, dirigida por Bruno Ferrandis. Jean-Yves Thibaudet estrenó el Concierto Para Piano en junio de 2008, comisionado por la Orquesta Sinfónica de Atlanta, dirigida por Robert Spano. Songs of Eternity on the Ruba’iyat of Omar Khayyam, escrito para la soprano Renée Fleming, fue estrenado por la Sinfónica de Seattle bajo la dirección de Gerard Schwarz. Joshua Bell fue solista en las funciones de estreno del Concierto para Violín, con la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, también dirigida por Schwarz. Fue Bell también quien presentó la premiere norteamericana, con la Orquesta Sinfónica de Indianápolis dirigida por Mario Venzato, y las presentaciones subsecuentes fueron con Peter Oundjian y la Sinfónica de Toronto. Los Solistas Internacionales Sejong le encargaron la composición de Awakening para estrenarla en el Festival de Música de la Grandes Montañas en Corea del Sur como una celebración de Paz.

Entre sus grabaciones se incluye la Trilogía Persa en la etiqueta Delos, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por JoAnn Falletta. Este ciclo orquestal comprende las obras: Seven Passages, Seemorgh y The Blood of Seyavash, inspirada en leyendas de la antigua Persia, como se narran en El Libro de los Reyes en el poema épico del siglo XI “Shahnameh”. En agosto de 2008, la Orquesta Sinfónica de Toronto tuvo una presentación multimedia de la Trilogía Persa con narrativa tradicional (Nahgali) y proyecciones de decenas de miniaturas persas. JoAnn Falletta también ha dirigido la Elegía para Cello y Orquesta, con Yo-Yo Ma como solista y la Filarmónica de Búfalo, con referencias en la prensa de Búfalo que la describen como “etérea… frágil, casi como un espejismo”.

En temporadas recientes se estrenaron tres obras de Ranjbaran: Fountains of Fin, elegía de Amir Kabir, Visir asesinado en el siglo XIX; Shiraz and Isafan que alaba dos de las ciudades iraníes favoritas del compositor. En la temporada 2008-2009, Ranjbaran fue compositor residente para la Sinfónica de Fort Worth; tres de sus obras se presentaron durante los conciertos de suscripción. En el verano de 2005, también fue compositor residente para celebrar el 40 aniversario del Festival Musical de Saratoga. Para celebrar la ocasión, compuso la obertura orquestal Saratoga, estrenada por Charles Dutoit y la Orquesta de Filadelfia. En el festival también se estrenó su Quinteto para Piano y se interpretaron muchas de sus obras de música de cámara. Chantal Juillet, además, actuó como solista en una interpretación del Concierto para Violín con Dutoit y la Orquesta de Filadelfia.

La música de Ranjbaran ha sido descrita como poseedora de “cualidades de una belleza inherente con una estructura musical fuerte que la convierten en entidad musical satisfactoria” (Nashville Scene); “un maestro de la orquesta” (Dallas Morning News); “radiante luminiscencia” (The Washington Post). Songs of Eternity sigue recibiendo homenajes y es descrita en el Fort Worth Star-Telegram como “… encantadora… la obra maneja una peculiar magia, atemporal… y cuando en el concierto… se entona una línea melódica sutil, el efecto es arrebatador.” Al describir el CD con la Trilogía Persa, American Record Guide dice que “Ranjbaran ha compuesto una noble partitura brillantemente concebida, espectacularmente orquestada, plena de melodías inolvidables cuyo desarrollo es meticuloso y de una impresionante destreza.”

Behzad Ranjbaran nació en Teherán, Irán, en 1955 y recibió el Premio Rudolf Nissim por su Concierto para Violín. Su educación musical se inició tempranamente cuando ingresa a los nueve años en el Conservatorio de Música de Teherán. Viene a los Estados Unidos en 1974 para estudiar en la Universidad de Indiana y recibe su doctorado en composición de la Escuela Juilliard, donde actualmente presta sus servicios en la Facultad. El Concejo de las Artes de Nueva Jersey lo nombró “Artista Distinguido” y, entre los honores que Ranjbaran ha recibido se incluye una Beca de la Fundación Nacional para las Artes; otra beca de Conoce al Compositor (proyecto compositor/coreógrafo), y el Premio Charles Ives de la Academia Americana de Artes y Letras.

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BOLETOS

Admisión: De $100. a $200. pesos, en taquilla del Teatro Degollado y Sistema Ticketmaster.

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