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Mayo 2018
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Jueves 17 de mayo/20:30h

Zohn Collective y La Coperacha

Programa:
Comala, en su concepción escénica original del compositor.
Inspirada en la obra de Juan Rulfo, Pedro Paramo
Estreno en México

Lugar: Teatro Degollado
Admisión: $70 a $150

MAPS: Se encuentra aquí

 


Interpretan:
Zohn Collective & La Coperacha (México, E.U.A.)
Estreno en México

Tony Arnold, soprano
Zach Finkelstein, tenor

Música: Ricardo Zohn
Puesta en escena: Antonio Camacho
Diseños inspirados en la obra de: Alejandro Santiago


Este proyecto es apoyado en parte por una subvención del Centro de Innovación e Investigación Paul R. Judy en la Eastman School of Music.

Comala

La cantata escénica Comala, de Ricardo Zohn-Muldoon, es una musicalización de fragmentos escogidos de Pedro Páramo, la gran novela del escritor mexicano Juan Rulfo. En Comala, Zohn-Muldoon ha buscado expresar la profunda conmoción que le significa la lectura de Pedro Páramo.

Comala está escrita para soprano, tenor, narrador, actores, y ensamble de cámara (flauta, clarinete, saxofón violín, violonchelo, guitarra, piano y percusión). En su versión actual, la obra consta de 20 escenas entretejidas por una red de ”hilos musicales.” El arco dramático de Comala refleja la perspectiva del narrador, Juan Preciado. Por lo tanto, el punto culminante de la obra viene dado por la sorpresiva muerte de Juan Preciado. Es al morir que Juan Preciado accede por fin a su pasado, y logra “completarse.” Así, Comala puede interpretarse hasta cierto punto como una reflexión musical acerca de esa metáfora un tanto Freudiana: la necesidad de perderse en la memoria para encontrar la propia identidad. Como dice Doloritas, en la novela, su pueblo es: “..como una alcancía donde hemos guardado nuestros recuerdos..”

Zohn-Muldoon explica: “En Comala he buscado transmutar al ámbito sonoro la cronología “descarrilada” de Pedro Páramo, en la cual los límites que separan el pasado, el presente, la vida y la muerte se han disuelto. Para ello me he valido de recursos de orden dramático/musical que evocan de una manera tangible esa confluencia entre la realidad lineal por la que transitamos, y la circularidad de nuestra memoria (allí en donde se anidan aquellos que se han ido). Decidí, por ejemplo, asignar el habla a los vivos (Juan Preciado, Donis y su hermana) y el canto a los muertos (Doloritas, Eduviges Dyada, Damiana Cisneros, Susana San Juan, etc.). Esto se sustenta en la idea de que los vivos, sujetos por las ataduras del tiempo, buscan la comunicación clara y directa, mientras que las ánimas, libres de esas ataduras, reflexionan sin fin, suspendidas del canto. Es así que Juan Preciado “encuentra su voz” y canta (personificado a partir de ese momento por el tenor en lugar del narrador) solamente al momento de morir, en una de las escenas finales de la obra.”

La dicotomía entre la dimensión “material” y la “inmaterial” se refleja de igual manera en otros aspectos musicales. Por ejemplo, en una concepción tímbrica que aprovecha oposiciones y yuxtaposiciones entre sonidos “reales”-aquellos obtenidos por medio de las técnicas instrumentales convencionales- y sonidos “fantasmagóricos” -producidos por medio de técnicas alternativas que revelan los timbres “escondidos” dentro de los instrumentos (por ejemplo, armónicos en el piano, sonidos percutidos en los instrumentos de cuerda o aliento, etc.). Por otra parte, en Comala se aprecian también recursos tradicionales, tales como la correspondencia entre personajes o ideas narrativas con temas musicales que se transforman de acuerdo al desarrollo dramático.

 

Historia de Comala

Ricardo Zohn-Muldoon se ha referido a la gestación y composición de Comala como: “…un proceso de crecimiento natural. Podría decirse que Comala y yo (como compositor) hemos crecido juntos…” La primera versión de Comala, estrenada en el Festival Música y Escena en el año 2001, se origina en varias obras camerísticas inspiradas en Pedro Páramo, y compuestas por Zohn-Muldoon en la década de los 90s. A partir de esa versión preliminar, Comala crece paulatinamente durante el transcurso de los años siguientes, con la adición de nuevas escenas, y revisiones sustanciales que clarifican la forma, refinan la orquestación, y amplifican el arco dramático de la obra. En el 2010, el ensamble Eastman BroadBand, bajo la dirección de Juan Trigos, graba la obra para el sello discográfico Bridge Records. El año siguiente, la obra es seleccionada como una de tres finalistas para el Premio Pulitzer en Composición Musical, y es galardonada con el Lillian Fairchild Award otorgado por el Departamento de Literatura Inglesa de la Universidad de Rochester.

No obstante, la obra sigue evolucionando. En el 2013 se presenta dentro del Festival Internacional Cervantino con cuatro escenas nuevas y ajustes considerables de orquestación. Asimismo, la presentación de Comala dentro del Festival Cultural de Mayo en el 2018, estrenará una escena y varios interludios nuevos. Acerca de este proceso de crecimiento constante, Zohn-Muldoon comenta: “…con cada nueva versión he pensado que la obra ha adquirido su forma definitiva, para después descubrir que aun tengo algo que añadirle. Así que ahora prefiero pensar que el título de la obra fue fortuitamente premonitorio, y que Comala se ha vuelto para mí un “pueblo musical” al cual disfruto regresar periodicamente a reencontrarme y a construir nuevos espacios sonoros …”

 

Puesta en escena con La Coperacha


©Danae Kotsiras

De una conversación entre Antonio Camacho y Ricardo Zohn-Muldoon, a fines del 2016, surge la idea de una puesta en escena de Comala con La Coperacha, compañía de teatro y títeres dirigida por Antonio Camacho, en colaboración con el ensamble musical Zohn Collective, del cual Zohn-Muldoon forma parte. El entusiasmo por esta colaboración obedece no solo a afinidades artísticas y personales entre ambos creadores, sino también a la gran admiración y afecto que comparten por la obra de Juan Rulfo.

Para Zohn-Muldoon, el trabajo de La Coperacha se compagina perfectamente con el suyo: “Antonio ha creado una compañia de teatro y títeres profundamente conectada con la cultura tanto popular como clásica, y enraizada en un México a la vez real e imaginado. Este es uno de los atributos que admiro en la obra de Rulfo, y que aspiro a reflejar en mi música.”

La nueva producción en que colaboran La Coperacha y Zohn Collective busca crear una puesta en escena multidimensional. Esta consiste en “refractar” la representación de personajes a través de varios planos expresivos: la música evoca el psique de los espíritus, y los cantantes son mediums que les dan voz. Los actores dan corporalidad a los vivos, y los títeres a los muertos.

 

Zohn Collective

Zohn Collective es un ensamble de cámara de configuración flexible que se dedica a la interpretación de música clásica contemporánea. El núcleo del ensamble está consituído por doce miembros, que incluyen instrumentistas, compositores, y un director. Sin embargo, el ensamble puede expandirse o contraerse de acuerdo al repertorio de cada proyecto. Como su nombre lo sugiere, Zohn Collective (Colectivo Zohn) es una organización artística impulsada por proyectos generados por sus propios integrantes. Por esta razón, la diversidad de origen, formación, e intereses de sus miembros es un factor esencial del dinamismo de este ensamble.

Aunque Zohn Collective es un ensamble de reciente fundación, sus miembros están profundamente vinculados por sus colaboraciones artísticas pasadas. Por ejemplo, la mayoría de sus integrantes han compartido escenarios por mas de una década, como miembros de otros ensambles, tales como Eastman BroadBand, Duo Damiana, y Bent Frequency, así como en festivales internacionales, tales como soundSCAPE Festival, en Italia, o el Festival Cervantino, en México. Zohn Collective a ya grabado su primer CD, para el sello Oberlin Music, y agendado varias presentaciones, incluyendo su colaboración con la acompañía de títeres La Coperacha, en el Festival Cultural de Mayo, en Guadalajara, conciertos en varias universidades de los Estados Unidos, y grabaciones de obras de compositores estadounidenses y latinoamericanos.

 

La Coperacha

Los pasados 35 años han sido, desde diversas trincheras y ópticas, una era de transformaciones radicales y, si nos circunscribimos a las disciplinas artísticas y, en concreto, a las artes escénicas, los márgenes se dilatan enormemente por el impacto de la tecnología y los variados roles que asumen las instituciones públicas o privadas que financian la actividad; en este contexto,la compañía teatral La Coperacha: —conformada legalmente como asociación civil hace una década y media—es una de las más antiguas compañías, a nivel profesional, en el país.

Formada en 1979 por estudiantes de la Escuela de Música de la U de G, ha explorado la figura de la co-producción con esta Casa de Estudios; en 1991 el Festival Internacional, I Bienal Internacional de Teatro para Niños y Jóvenes en 1996, Puppets of Fire, que explora la obra muralística de José Clemente Orozco, el Teatro para Nuevos Públicos –IMSS-

La Coperacha no saca sus poéticas con otra magia mas que la del trabajo. Promueve el estudio autodidacta y la colaboración, practicados desde sus fundamentos.

Por ejemplo, se concibe el arte de hacer metáfora la materia en la producción titeril a través de la imaginación caricaturesca de artistas como Helio Flores, Palomo, Carlos Dzib, Magú, Francisco de Goya o José Clemente Orozco. También la confusión de poética y política revueltiana en su concepto de estética permea en todos sus proyectos, como las revueltas de los títeres amasando la monomanía de José Ignacio –JIS-, y el inherente perfil con la música de ahí la ya constante relación con los compositores Ricardo Zohn y Carlos Sánchez Gutiérrez.

Comala es el referente para esta ocasión.

La mímesis dramática, además de ser objeto de atención por observadores, puede ser materia de registro por memoriosos. Pero recordar lleva a crear. Pues el realismo a secas es insuficiente para la inventiva constante.

Lo que nos obliga a crear -en 4 décadas- más de 500 piezas únicas, que serán la colección permanente del Museo de Títeres de la Casa Reforma. Realizar más de 100 producciones originales de artes escénicas en ámbitos como la expresión teatral, el sector escolar, video y TV educativos.

En La Coperacha esto se vuelve experiencia en un taller de constante reinvención e improvisación, una compañía teatral de free jazz tocando con instrumentos culturales.

Como escribió el niño de 10 años en uno de nuestro talleres “La casa vuela en la casa”, nos la apropiamos como crónica de nuestro proyecto por un Centro Cultural para la Niñez, Casa Reforma. Por tanto se hace eco de la múltiple manifestación de las infancias.

Miembro del SNCA y Creador Escénico con Trayectoria del FONCA.

 

 

Tony Arnold, soprano


©Claudia Hansen

"La soprano Tony Arnold es una luminaria en el mundo de la música de cámara y el canto artístico. Los compositores clásicos de hoy están inspirados por su voz intrínsecamente bella, musicalidad consumada y su espíritu acogedor "(Huffington Post). Aclamada por el New York Times como "una intérprete audaz y poderosa", es aclamada internacionalmente como la principal defensora de la música contemporánea en conciertos y grabaciones, después de haber estrenado cientos de obras de compositores establecidos y emergentes. Desde que se convirtió en la galardonada con el primer premio de la Competencia Internacional Gaudeamus 2001 (NL) y la Competencia Louise D. McMahon 2001 (EE. UU.), Tony Arnold ha colaborado con los compositores e instrumentistas más innovadores en el escenario mundial y comparte con audiencias su "regalo más amplio para transmitir la poesía y los matices detrás de las composiciones contemporáneas abrumadoras" (Boston Globe). Su combinación única de virtuosismo vocal y calidez comunicativa, combinada con amplias habilidades en educación y liderazgo, fueron reconocidas con el Premio Brandeis de Artes Creativas 2015, otorgado en reconocimiento de la "excelencia en las artes y las vidas y obras de artistas estadounidenses distinguidos y activos".

Como soprano del intrépido International Contemporary Ensemble (ICE), Tony Arnold es la catalizadora de docenas de proyectos innovadores, el más reciente de los cuales es la Whisper Opera de David Lang en la producción itinerante de ICE dirigida por Jim Findlay. Ha realizado numerosas giras por Estados Unidos como miembro del George Crumb Ensemble, y se ha convertido en la voz más asociada a la música de Crumb desde el querido Jan DeGaetani. Artista invitada en festivales internacionales en cuatro continentes, Tony Arnold se ha presentado en el Festival de Darmstadt y Witten New Music Days (Alemania); Tiempo de la música (Finlandia); Cervantino (México); Musica Sacra Maastricht (Países Bajos); Tongyeong Festival (Corea); Perspectives XXI Festival (Armenia) y el Festival de Música de Cámara de Santa Fe. Ella aparece regularmente con conjuntos principales, incluyendo el cuarteto JACK, Orion Quartet, Ensemble Modern, Talea Ensemble, Chicago Symphony Orchestra Music Now, Los Angeles Philharmonic Green Umbrella y la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center.

Con más de treinta discos, Tony Arnold ha grabado un amplio segmento del repertorio vocal moderno con estimados colegas de música de cámara. Su grabación de la emblemática Ancient Voices of Children (Bridge) de George Crumb fue nominada para un Grammy Award 2006, y su grabación con ICE de On the Nature of Thingness (Starkland) de Nathan Davis fue nombrada Mejor Álbum Clásico Contemporáneo en los Independent Music Awards 2016. Otros lanzamientos notables incluyen monumental Kafka Fragments (Puente) de György Kurtág; El inflexible Undersong (Modo) y Lenguas (Tzadik) de Jason Eckardt; Harawi místico de Olivier Messiaen (New Focus); y el proyecto completo de Webern bajo la dirección de Robert Craft (Naxos). De The Webern, The Guardian escribe, "cantado con notable aplomo y calidez por la soprano Tony Arnold ... cada [canción] es una miniatura perfectamente grabada, una pepita de lirismo impactado, y Arnold los desenvuelve con inmenso cuidado".

Una fuerte defensora de la creación y puesta en marcha de nueva música, el arte de Tony Arnold ha atraído a muchos de los compositores más dotados de nuestro tiempo. El repertorio creciente de la música de cámara vocal incluye obras importantes escritas para su voz por Georges Aperghis, Eric Chasalow, Philippe Manoury, Josh Levine, George Crumb, Pamela Madsen, Fredrick Gifford, David Liptak, Brett Dean, Christopher Theofanidis, Jason Eckardt, Hans Tutschku, Ricardo Zohn-Muldoon, Jesse Jones, Nathan Davis, Carlos Sánchez-Gutiérrez, John Zorn y David Gompper, entre otros. En 2012, Arnold y el violinista Movses Pogossian fueron los destinatarios de una beca de comisión de la Chamber Music America para apoyar la creación de Siete canciones armenias de Gabriela Lena Frank. Entre los próximos proyectos incluyen un nuevo trabajo para voz con el International Contemporary Ensemble de Marcos Balter, y el estreno de Fünf Worte de Amy Williams para soprano y harmonium.

Tony Arnold ha trabajado de manera constante con jóvenes compositores e intérpretes, generando nuevas ideas musicales y fomentando la colaboración con las generaciones futuras. En el verano de 2017, se unirá a la facultad de artes vocales del venerable Tanglewood Music Center, seguido de una cita para la facultad del Conservatorio Peabody a partir de septiembre de 2017. En 2015-16, fue Kunkemueller Artist-in-Residence en el Conservatorio de Boston, y estuvo simultáneamente en residencia en la Universidad de Brandeis como parte del Premio Brandeis de Artes Creativas. En 2009, Tony Arnold fue la primera intérprete invitada a ser la Profesora Distinguida Howard Johnson de Composición en la Eastman School of Music. Durante más de una década formó parte de la facultad de la Universidad de Buffalo, donde fundó el conjunto vocal de técnicas extendidas, BABEL. Actualmente se encuentra en la facultad de la Conferencia de Compositores de Wellesley (MA); el festival soundSCAPE (Italia); y Nueva música en el punto (VT). Ha impartido conferencias y clases magistrales como invitada en más de 50 universidades de todo el mundo.

Tony Arnold es graduada del Oberlin College y Northwestern University. Mientras crecía en los suburbios de Baltimore, compuso, cantó y tocó todos los instrumentos que pudo convencer a sus padres, pero nunca tuvo la intención de convertirse en una vocalista profesional. En cambio, ella aplicó su variada experiencia musical al estudio de la dirección orquestal. Después de graduarse de la escuela, fue miembro del Aspen Music Festival (como directora y cantante), y disfrutó del éxito como directora musical de varias orquestas en el área de Chicago. En sus primeros treinta años, Tony volvió a conectar con su amor por el canto y descubrió una habilidad especial para hacer que la música vocal más compleja sea accesible para todos los públicos. Habiendo sido inspirada por muchos mentores, está especialmente en deuda con la enseñanza de las sopranos Carmen Mehta y Carol Webber, los directores Robert Spano y Victor Yampolsky, y el compositor György Kurtág.

 

Zach Finkelstein, tenor

El estadounidense-canadiense Zach Finkelstein se ha establecido rápidamente como solista tenor en Norteamérica y en el extranjero, desde el Benaroya Hall de Seattle hasta el Lincoln Center de Nueva York, pasando por Sadler's Wells en Londres y el Centro Nacional de las Artes en Beijing, China.

En el mundo del concierto, Zach es conocido por su interpretación "refinada" y "elegante" (Vancouver Observer) de las obras de Bach, Mozart y Handel, entre otras. En las temporadas 2014-2015, Zach cantó 13 representaciones del Mesías de Handel con la Sinfónica de Virginia, la Orquesta Barroca de Portland, la Sinfónica de Victoria y la Sinfónica del Valle de Rogue; siete actuaciones del Weihnachtsoratorium de Bach (su Evangelista "first among equals", Vancouver Sun) con Pacific Music Works de Stephen Stubbs, Early Music Vancouver, Orquesta Barroca del Pacífico de Victoria, Portland Baroque y Symphony Nova Scotia; actuó con la Sinfónica de Seattle como el solista tenor en el Réquiem de Mozart bajo la dirección de Ludovic Morlot; cantó Johannespassion de Bach con la Portland Baroque Orchestra; Dettingen Te Deum de Handel y Missa in tempore belli de Haydn con Jane Glover y la Música del Barroco en Chicago; Israel y Egipto de Handel con la Orquesta de Seattle; Rossini's Petite Messe Solennelle con el Coro Bach Elgar en Hamilton, Canadá; Solomon de Händel y Misa en Si menor en el Festival de Elora en Ontario; y Bach Cantatas 106 y 182 en el Whidbey Island Music Festival. En 2016-17, el calendario de actuación de Zach incluye la Creación de Haydn en Toronto con el coro y la orquesta de Toronto Mendelssohn; La Misa de Bach en B Menor y Cantatas de Adviento con las Obras de Música del Pacífico; Magnificats de Bach (JS y CPE) con el Festival de Elora; 16 actuaciones del Oratorio de Navidad y el Mesías con la Orquesta Filarmónica de Calgary, la Orquesta Sinfónica Regina, el Coro Amadeus, las Trece Cuerdas de Kevin Mallon y la Orquesta y Coro de Masterworks of Oakville; Matthäus-Passion (Evangelista) con Trece Cuerdas; Sócrates de Satie en Texas con el grupo de baile Mark Morris; La novena sinfonía de Beethoven con la Orquesta de Cámara de Portland y la Orquesta Walla Walla; y recitales en San Antonio, TX; Lake George, NY; Seattle, WA y la ciudad de Nueva York. En 2016, Zach también fue finalista en la Competencia Vocal Tafelmusik y fue seleccionada como Virginia Best Adams Fellow en el Carmel Bach Festival.

Recientemente aclamado por Anthony Tommasini del New York Times como un "tenor convincente", hizo su debut en la Ópera de Nueva York en abril de 2013 como Mambre en el Mosè in Egitto de Rossini, una producción llamada por Tommasini como uno de los 10 eventos clásicos de 2013. En 2014-15, Zach cantó el papel de Damon "con sensibilidad y gracia" (Boston Classical Review) en Acis y Galatea, actuaciones dirigidas por Nicholas McGegan, líder de Philharmonia Baroque en Berkeley, California, así como con la Sociedad Handel y Haydn. en Boston, MA. En 2016, Zach hizo su debut de alta costura como Orphee en producciones consecutivas de Orphee et Eurydice de Gluck con Brava. Opera Theatre (en inglés) y Opera Grand Rapids (en francés).

El Sr. Finkelstein es también un evangelista de obras clásicas nuevas y contemporáneas, una obra que descubrió como dos veces miembro vocal en el Festival de Música de Tanglewood. Más recientemente en la ciudad de Nueva York, Zach estrenó un nuevo trabajo Umbral para tenor y orquesta con Argento Ensemble, una pieza creada específicamente para Zach por el compositor ganador del premio Prix de Rome, Jesse Jones. James Oestrich del New York Times elogió esta "excelente" actuación: "Zach Finkelstein negoció los vuelos de alto tenor del Sr. Jones con aplomo". Satie's Socrate, un monodrama político de treinta minutos para tenor y piano ("Beautifully Sung", UK Daily Telegraph), también se ha convertido en una pieza de la firma para el Sr. Finkelstein, realizó giras regularmente con Mark Morris Dance Group en los Estados Unidos y Londres, Reino Unido y un reciente debut en Shenzhen y Beijing, China. Zach también realizó el estreno estadounidense de Harrison Birtwistle's Songs de la misma tierra con el pianista Mike Brofman en la Brooklyn Art Song Society, regresó en la temporada 2017 para realizar un recital de Jake Heggie y Reynaldo Hahn y volverá a tocar con BASS en 2018 recorriendo Seattle y California.

En los medios, Zach ha realizado extractos de ópera el sábado por la tarde de la CBC en la Ópera, así como Classical 96.3 FM de Toronto y KING FM de Seattle. Tanto Musical Toronto como la revista Opera Canada han perfilado al Sr. Finkelstein como un cantante para ver.

El Sr. Finkelstein se encuentra actualmente en Dean Artists Management y posee un Diploma de Artista (Voz) de la Escuela Glenn Gould del Conservatorio Real de Música en Toronto y una Licenciatura en Ciencias Políticas (Honours) en la Universidad McGill, en Montreal. Como joven artista, Zach participó en el Festival de Música Tanglewood, Banff Opera en Teatro, el Instituto Internacional de Artes Vocales y el Programa de Artistas Jóvenes Britten-Pears.

 

Integrantes Zohn Collective

 

Molly Alicia Barth

La flautista ganadora de un premio Grammy Molly Alicia ha actuado recientemente en Australia, Corea y México y ha participado en recitales como solista y dirigió cursos en prestigiosas instituciones como la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana, el Conservatorio de Oberlin, el Conservatorio de Cincinnati, entre otros. Es graduada del Oberlin College-Conservatory of Music, Cincinnati Conservatory of Music y Northwestern University School of Music. Los principales maestros de Molly incluyen a Michel Debost, Kathleen Chastain, Randolph Bowman, Bradley Garner y Walfrid Kujala.

Como miembro fundadora del sexteto musical de new music Eight Blackbird entre 1996 y 2006, Molly ganó el Premio Grammy "Mejor interpretación de música de cámara" de 2007, grabó cuatro CD con Cedille Records y obtuvo el Premio de Música de Cámara de Naumburg 2000 y el primer premio en el 1998 Concurso Internacional Concert Artists Guild. La música de cámara contemporánea es el principal interés musical de Molly, y actualmente está involucrada con tres conjuntos. Molly es la Profesora Asociada de Flauta en la Universidad de Oregon, donde es miembro del Oregon Wind Quintet. Ella toca una flauta y un piccolo de Burkart, y una flauta alto Haynes de 1953.

 

Ricardo Zohn-Muldoon

Ricardo Zohn-Muldoon nació en Guadalajara, México, en 1962. La literatura ha sido fuente de inspiración para muchas de sus composiciones, como el ciclo de canciones extendido Songtree, sobre poesía de Raúl Aceves y William Shakespeare, la ópera en miniatura NiñoPolilla, sobre un libreto de Juan Trigos padre, y la cantata escénica Comala, basada en la novela Pedro Páramo, del gran escritor mexicano Juan Rulfo. Comala fue seleccionada como finalista para el Premio Pulitzer en 2011.

Sus trabajos han sido realizados internacionalmente, y apoyados por la Academia Americana de Artes y Letras, la Fundación Koussevitzky, la Fundación Fromm, Barlow Endowment, la Fundación Guggenheim y el Sistema Nacional de Creadores de Arte de México, entre otras instituciones en los Estados Unidos y en el extranjero. Estudió en la Universidad de California, San Diego (BA, 1986), y en la Universidad de Pensilvania (PhD, 1993), donde su maestro principal fue George Crumb. Actualmente es profesor de composición en la Eastman School of Music. Anteriormente, enseñó en el Colegio-Conservatorio de Música de la Universidad de Cincinnati y en la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato.
Miembro del SNCA y Creador Escénico con Trayectoria del FONCA.

 

Daniel Pesca


© Hanna-Hurwitz

Daniel Pesca, pianista y compositor, es un apasionado defensor de la new music y un intérprete comprometido del repertorio de música de cámara. Ha actuado en la Biblioteca del Congreso, el Kennedy Center, el Miller Theater de la Universidad de Columbia, en los conciertos de Dame Myra Hess en Chicago, en junio en Buffalo, y en festivales de música contemporánea en España, Italia, Grecia y Vermont. Entre sus créditos para el concierto figuran la interpretación del Concierto doble de Elliott Carter en el Carnegie Hall y las apariciones con la Orquesta de la Liga de compositores, Slee Sinfonietta, Eastman Wind Ensemble y Oberlin Sinfonietta.

Daniel aparece en grabaciones de Centaur Records, Block M Records y Urtext Classics. Tiene un doctorado de Eastman, donde dirigió una clase sobre música de teclado contemporáneo y estudió piano con Nelita True. Ha ocupado cargos docentes en Ithaca College, Syracuse University y Northeastern Illinois University. Ahora se desempeña como Director de Música de Cámara y Artista en Residencia en la Universidad de Chicago, donde colabora con profesores y compositores estudiantiles.

 

Hanna Hurwitz

Las actividades recientes de Hanna incluyen actuaciones con el Ensemble Dal Niente, Argento Chamber Ensemble, Mivos Quartet, Lucerne Festival Academy, Eastman BroadBand y Slee Sinfonietta. Ha sido miembro de conjuntos de cámara residentes en festivales internacionales como el Festival SoundSCAPE y el Festival Spaziomusica en Italia, así como el Festival Cervantino y el Festival Internacional de Chihuahua en México. Hanna es la violinista destacada en Cantos, grabación de Bridge Records de música de Ricardo Zohn-Muldoon y en Diaries, la versión de Urtext de música de Carlos Sánchez-Gutiérrez.

Actualmente se encuentra en la facultad de la Universidad de Buffalo, donde se desempeña como instructora adjunta de violín. Además, se desempeñó como coordinadora y entrenadora del programa de música de cámara de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Rochester, y actualmente se encuentra en la facultad de Buffalo String Works. Hanna posee un Bachiller's and Performer's Certificate de la Eastman School of Music, una Maestría de la Universidad de Texas en Austin, y un Doctorado en Artes Musicales con una especialización en Performance Psychology de Eastman School of Music y la Universidad de Rochester.

 

Dieter Hennings Yeomans

El Sr. Hennings ha sido solista con el New Music Concerts Ensemble, Tito Sccipa Orchestra de Lecce, Italia, Eastman BroadBand Ensemble, Eastman School Symphony Orchestra, entre muchos otros. El Sr. Hennings ha ganado el primer premio en varios concursos prestigiosos, incluyendo el Concurso Internacional de Guitarra Aaron Brock 2008 (Toronto), el Concierto Eastman Concerto de Guitarra 2005, el Concurso Internacional de Artistas Jóvenes Villa de Petrer, Alicante (España), el Concurso Internacional de Guitarra de Portland 2001 , entre otros.

Recientes compromisos incluyen conciertos con la cantante pop Natalie Merchant y la violinista barroca Monica Huggett, así como apariciones en la Embajada de México en Roma, el Festival SpazioMusica de Cagliari, el Conservatorio de las Rosas en Morelia, México, etc. El Sr. Hennings es un artista residente en East Coast Composers Ensemble y Eastman Broad Band Ensemble. Dieter Hennings es Profesor Asociado de Música en la Universidad de Kentucky y curador de la Serie Internacional de Guitarra del Reino Unido.

 

Timothy Weiss

Conductor, Timothy Weiss ha sido aclamado por la crítica por sus actuaciones y programación audaz en los Estados Unidos y en el extranjero. Su repertorio en música contemporánea es vasto y valiente, incluyendo obras maestras, composiciones muy recientes y un impresionante número de estrenos y encargos. Ha recibido el Premio de Programación Aventurera de la League of American Orchestras.

Durante más de dos décadas, Weiss ha dirigido el Oberlin Contemporary Music Ensemble, llevando al grupo a un nivel de maestría y virtuosismo en el rendimiento que rivaliza con los mejores grupos musicales actuales. Recientes compromisos incluyen la Filarmónica del Ártico en Noruega, Orchestra 2001 en Filadelfia, Eastman Broadband Ensemble, BBC Scottish Symphony, Britten Sinfonia en Londres, International Contemporary Ensemble (ICE) y Melbourne Symphony en Australia.

 

Sammy Lesnick

Sammy Lesnick es un clarinetista que vive en la ciudad de Nueva York, dedicado a la interpretación de música de cámara y música contemporánea. Un reciente graduado de la Eastman School of Music, sus maestros incluyen a Kenneth Grant, Jon Manasse, Sean Osborn y Kim Fay. Sammy fue el ganador de la competencia de concerto de clarinete 2013 de Eastman, interpretando el concierto de Magnus Lindberg con la Eastman Philharmonia y el director Brad Lubman. Fue galardonado con el primer puesto de clarinete en la competencia individual del Estado de Washington en 2012 y en el mismo año ganó el Concurso de Artistas Jóvenes de Seattle Symphony, realizando el movimiento final del Concierto No. 2 de Weber con la orquesta y el director Ludovic Morlot.

La pasión de Sammy por la new music ha llevado a actuaciones en St. Louis con Alarm Will Sound, en la ciudad de Nueva York con Ensemble Signal, y en muchos otros lugares en todo el país, así como en Italia, Francia, España y Grecia. Ha trabajado con muchos compositores famosos, como Rand Steiger, Chaya Czernowin, Carlos Sánchez-Gutiérrez, Ricardo Zohn-Muldoon y, más recientemente, con Steve Reich, interpretando su Nueva York Counterpoint para clarinete solo en Eastman's Kilbourn Hall con el compositor presente , con una actuación adicional en el Kennedy Center en Washington, DC.

 

Paul Vaillancourt

Paul Vaillancourt (D.M.A) es profesor de percusión en Columbus State University en Columbus, Georgia. Ha sido solista destacado en Banff & Aspen Summer Music Festivals, Sound Symposium Music Festival en Newfoundland, con el National Arts Centre y Ottawa Symphony Orchestras y la St. Petersburg Chamber Orchestra (Rusia).

Ha actuado en todo el mundo con muchos conjuntos de música contemporánea, incluyendo Bent Frequency, Sonic Generator, Furious Band, The Fountain City Ensemble y un dúo de piano/percusión, entre otros. Se presenta regularmente con la Columbus Symphony y más recientemente con la Atlanta Symphony.

 

Colin Strokes

El violonchelista Colin Stokes se ha presentado con gran éxito en las críticas desde muy joven. A los 17 años fue presentado en conciertos con Yo-Yo Ma en Meyerhoff Hall y Strathmore Hall de la Sinfónica de Baltimore, que se emitieron en el programa Today de NPR. Colin Stokes completó su Licenciatura en Música y el Certificado de Ejecutante en el estudio de Steven Doane y Rosemary Elliott en la Eastman School of Music. En 2012, Stokes completó el grado de Maestría en Música en The Juilliard School con Richard Aaron. En 2014, Colin continuó sus estudios con Fred Sherry y Todd Reynolds en la Escuela de Música de Manhattan como parte del Programa de Performance Contemporáneo.


 

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