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Mayo 2019
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Domingo 26 / 12:30 h

Orquesta Filarmónica de Jalisco
Jesús Medina director titular
Amy Dickson, saxofón
Primera vez en México

Lugar: Teatro Degollado
Admisión: $180 a $300

MAPS: Se encuentra aquí

 

(Glass: Sonata for Violin and Piano (Arr. for Saxophone and Orchestra): Movement III. 03.02.17)

Programa:

“Na´Lu’Um” de Cristina García Islas
(Obra finalista del concurso Nacional Orquestal Jalisco 2018)
[ 11 min]

“Concierto para violín y orquesta” de Philip Glass (Arr. para Saxofón de I. Crotchet )
[ 26 min]

Intermedio

“Variaciones sobre un tema original op. 36 (Enigma)” de Edward Elgar
[ 29 min]



Amy Dickson, saxofón

“Amy Dickson, una intérprete distinta, fuerte e inteligencia musical”International Record Review

 


Foto: Christian-Mushenko

 

Nombrada en el Reino Unido la Joven australiana del año 2016, y nominada a Grammy TM dos veces, la Artista Británica Australiano de Sony, Amy Dickson, hizo historia al convertirse en la primera saxofonista en ganar un Classic Brit Award y la primera australiana en ganar un Premio Mastercard Breakthrough a Artista del Año. Esto dio pie al lanzamiento de su tercer álbum, Dusk and Dawn, que alcanzó la codiciada posición número 1 en las listas clásicas de álbumes del Reino Unido. Reconocida ampliamente por su notable y distintivo tono, y excepcional musicalidad; Gramophone la ha descrito como "una intérprete con una diferencia que tiene un tono individual e inusual, delicioso, sedoso y voluptuoso en turnos; su fraseo está bellamente terminado, su control de la dinámica es infinitamente sutil ".

Ahora radicada en Londres, Amy Dickson nació en Sydney, Australia y comenzó sus estudios musicales a la edad de dos años, y tomó su primera lección de saxofón a los seis años. Hizo su concierto debut a los 16 años, y en su cumpleaños número 18 hizo su primera grabación como solista con la Sydney Symphony Orchestra. Ese año se mudó a Londres para estudiar en el Royal College of Music, y luego en el Conservatorium van Amsterdam (CvA). Recibió el premio James Fairfax al Artista Joven Australiano del Año y ganó una serie de competiciones importantes, entre las que se incluyen la Medalla de Oro en la Competencia de la Royal Overseas League, el Concurso de Jóvenes Intérpretes del Año de Symphony Australia y el Premio del Príncipe. Ningún saxofonista había ganado ninguno de estos títulos antes.

A principios de 2018, Amy, estrenó mundialmente el nuevo concierto para saxofón de Sir James MacMillan con la Orquesta de Cámara de Escocia y Joseph Swensen. Sus actuaciones y la posterior emisión de la BBC fueron muy bien recibidas. Presentará el concierto en todo el mundo, grabandolo con la Adelaide Symphony Orchestra y hará una gira por el trabajo en el Reino Unido con Aurora Orchestra en 2019.

Los próximos estrenos mundiales incluyen nuevos conciertos de saxofón de Matthew Hindson y Lachlan Skipworth.

En 2016, Amy fue juez de la final de Young Musician de la BBC. A Amy siempre le ha apasionado la educación musical y siempre trata de combinar el arte con el bienestar cuando visita escuelas o centros de cuidados paliativos. En 2017, lanzó su propio programa para escuelas primarias en el Reino Unido y en Australia, llamado “Take a Breath”. El programa "Take a Breath" ayuda a equipar a los niños pequeños en sus años de formación con técnicas simples pero invaluables para alentarlos a respirar adecuadamente. La idea es que lleven algunos ejercicios de respiración sencillos con ellos en su adolescencia, donde podrían brindar un apoyo útil cuando se enfrentan a situaciones que pueden causar estrés y ansiedad en los alumnos, como por ejemplo: prepararse para exámenes inminentes.

Llevando su obsesión por la respiración más allá, y apasionada por compartir la música contemporánea con un público más amplio, Amy recientemente estrenó su primer recital de "Take a Breath", un proyecto multimedia en solitario, en el cual, los cortometrajes (del cineasta David Donnelly) transportan en capítulos la relación musical humana con el aliento, y como están entretejidos con actuaciones de las obras de compositores clásicos contemporáneos. Amy ahora está trabajando en la creación del Concierto Familiar “Take a Breath” y el concierto multimedia “Take a Breath” con Orquesta.

Como una solista internacionalmente reconocida, Amy se presenta por todo el mundo con muchas de las grandes orquestas y en temporadas recientes se ha presentado en el Royal Albert Hall, la Ópera de Sydney y en el Konzerthaus de Viena. En Norteamérica, ha actuado con la Sinfónica de Phoenix y la Orquesta de Louisville entre otras. Como una intérprete de música de cámara muy solicitada, se ha presentado en prestigiosas series, en lugares como Berliner Philharmonie, el Wigmore Hall y en Enescu Festival. Regularmente se presenta en festivales internacionales de música de cámara en los cuales ha trabajado con los cuartetos de cuerdas Chilingirian, Goldner y Mandelring.

Sus parejas musicales han incluido a Piers Lane, Catherine Milledge, Lavinia Meyer, Tine Thing Helseth, William Barton, Colin Currie, Daniel de Borah, Simon Mulligan, Martin Cousin, Kathy Stott, Huw Watkins y a Danny Driver. Como orgullosa embajadora de la cultura australiana, se ha presentado para jefes de estado en los Parlamentos de Escocia y Australia; altas comisiones y casas de gobierno; en el palacio de St. James, Londres; y en reuniones diplomáticas, incluidas la Reunión de Jefes de Gobierno, Commonwealth en Malta (2005) y Perth (2011).

En 2015, Amy hizo su debut en Latitud Festival, regresó al escenario del parque de la BBC Prom y realizó una gira con el conjunto escocés. The Herald Scotland ha comentado. "Nunca he escuchado el saxofón tocando tan seductor y atractivo. La joven australiana es mágica, cuya interpretación elevó la música en sus manos a una estatura donde uno solo podía ser engañado ... "

Amy se desarrolla en las diversas posibilidades de repertorio que el saxofón puede extenderse y continuamente busca explorar nuevos géneros. Como una artista clásica de Sony, Amy Dickson ha lanzado siete álbumes bajo el sello discográfico, que muestran un repertorio diverso que destaca la versatilidad de su musicalidad y las variadas capacidades del saxofón.

Mientras que demuestra ser una brillante intérprete de la música contemporánea, ella es devota como una campeona en el repertorio establecido de saxofón, regularmente interpretando los conciertos de Glazunov, Debussy, Villa Lobos, Ibert, Larsson, Dubois y Milhaud, al igual que los de Turnage, Adams, Higdon, Birtwistle, Williams, Glass, Sculthorpe, Torke y Kancheli.

El repertorio de Amy está fuertemente influenciado por su pasión por la nueva música. Ella está profundamente comprometida con el desarrollo de un nuevo repertorio para el saxofón y ha hecho una contribución sustancial para el repertorio de conciertos, música de cámara y solista. Ha estrenado nuevos trabajos para saxofón y orquesta o conjunto de cámara y es colaboradora habitual de los compositores más importantes de la actualidad. Amy ha trabajado con compositores como James MacMillan, Peter Sculthorpe, Huw Watkins, Steve Martland, Graham Fitkin, Graham Koehne, Martin Butler, Brett Dean, Cecilia McDowall y Timothy Salter. Ella ha formado una relación musical muy estrecha con Ross Edwards y su colaboración ha llevado a la creación de una serie de obras importantes para el saxofón. Su concierto Full Moon Dances se estrenó en 2012 y desde entonces se ha realizado una extensa gira. Su arreglo para Amy de su concierto de oboe, Bird Spirit Dreaming, tuvo su primera actuación en 2011. Frog & Star Cycle, el nuevo doble concierto para saxofón y percusión de Ross Edwards se estrenó en julio de 2016 con ovaciones de pie y críticas de cinco estrellas en la Ópera de Sydney por Amy Dickson, Colin Currie y la Orquesta Sinfónica de Sydney.

Amy se siente honrada y encantada de estar afiliada a la Australian Childrens ’Music Foundation en Australia, y Children & The Arts en el Reino Unido. Está encantada de haber podido presenciar los apasionados y dedicados esfuerzos del personal y de experimentar el descubrimiento inspirador de la música por parte de los niños con quienes trabajan.


JESÚS MEDINA, director titular

Nace el 13 de octubre de 1959, en Monterrey, Nuevo León. Realizó sus estudios de Dirección de Orquesta en The Pierre Monteux School en los Estados Unidos, bajo la guía de Charles Bruck.

Actualmente cuenta con una trayectoria de más de 30 años como director de orquesta. Dirigió la Orquesta Filarmónica de la UNAM y la Orquesta Filarmónica de Querétaro. Fue también director artístico de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, y desde 2010 fungió como director artístico de la Orquesta Sinfónica de la UANL (OSUANL).

Dirigió más de 200 conciertos y logró que la OSUANL se presentara dentro y fuera del país. La llevó también al Palacio de Bellas Artes y a la Sala Nezahualcóyotl, en la Ciudad de México. El director regiomontano grabó un disco junto al ensamble universitario, realizó conciertos especiales en galerías y condujo programas de jazz, de música de los Beatles y de Queen. Ha dirigido, además de música sinfónica, música de cámara, ópera y ballet.

Uno de los rasgos característicos de la OSUNAL, bajo la batuta de Jesús Medina, fue la inclusión de diferentes géneros musicales contemporáneos, en donde abordó un repertorio menos clásico y más incluyente. En 1991, la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música le otorgó un reconocimiento por ser el mejor Director del Año, y en 2004 recibió el premio “GAVIOTA”, de la Asociación Latinoamericana de Cronistas.

Ha participado en los principales festivales de México, entre ellos el Festival Cervantino, el Festival Internacional de Música de Morelia, el Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, el Festival de Sinaloa, el Foro de Música Nueva y el Festival Internacional de Arpas, entre otros. Se ha presentado en Estados Unidos, Singapur, Francia, España, Italia, Turquía, Serbia, República Checa, Venezuela, Brasil, Colombia, Centroamérica y México.

 

 

Orquesta Filarmónica de Jalisco

 

La Orquesta Filarmónica de Jalisco es una de las orquestas con mayor tradición e importancia en el panorama musical mexicano. Celebrando 100 años de existencia en el año 2015, la OFJ fue fundada en la ciudad de Guadalajara por uno de los más destacados compositores y directores de México, el Mtro. José Rolón. Por iniciativa del Mtro. Rolón, un grupo de músicos originarios de Jalisco comenzaron a presentar conciertos de música sinfónica y de cámara para el público de Guadalajara, estableciendo un fuerte punto de partida para la fundación de la Filarmónica de Jalisco, conocida en sus inicios como Orquesta Sinfónica de Guadalajara.

En febrero de 1942, durante la celebración del 400 aniversario de la fundación de la ciudad de Guadalajara, el maestro Leslie Hodge fue invitado como director titular de la orquesta, pero sus compromisos en ese momento, no le permitieron aceptar. Sin embargo, prometió regresar al final de la Segunda Guerra Mundial. Esta oferta motivo que la Asociación de Amigos de la Orquesta le pidiera al gobernador Marcelino García Barragán que garantizara la continuidad de la orquesta.

Fue en el año de 1988 cuando se dió la transición de la entonces Orquesta Sinfónica de Guadalajara hacia lo que sería la Orquesta Filarmónica de Jalisco con la misión de promover la música sinfónica en todo el Estado. A lo largo de su historia, la OFJ ha estado bajo la dirección artística de Manuel de Elías, José Guadalupe Flores, Guillermo Salvador, Luis Herrera de la Fuente, Héctor Guzmán, Alondra de la Parra, Mtro. Marco Parisotto.

 

Integrantes OFJ

CONCERTINOS SOLISTAS
Iván Pérez
Angélica Olivo

CONCERTINOS ASISTENTES
Cecilia Gómez
Dimitri Pylenkov

VIOLINES
Maxwell Pardo - Principal Violines

Segundos
Adrián Barrera
Nathaniel Basa
Franklin Bolivar
David Bordoli
Alex Espinoza
Fabiola Carolina Galvis
Alejandro García
María Geraci
Cesar Huízar

Minako Ito
Esmiralda Mironova
Paola Nava
Greimer Parra
Diego Rojas
Dezsö Salasovicz
Luis Daniel Salazar Huipe
Rhio Sánchez
Iván Stebila
Pablo Stredel
Brandon Sulbarán
Hugo Uribe
Eleazar Yegüez
Luís Enrique Zambrano
Carmen Victoria Zambrano*

CONTRABAJOS
Oscar Luque - Principal
David Carpio - Principal Asociado
Mario Ballesteros
Mario Capodicasa
Colin Chatfield
Salvador Gómez
Carlos López
Gergana Marinova
Marco A. Valencia

VIOLAS
Ronald Vírgüez - Principal Asociado
Carlos Bonilla
Luis Felipe Molina
James Munro
Manuel Olivares
José Alonso Pérez
Omar Pérez
Carlos Paul Rondón
David Toth

VIOLONCHELOS
Rolando Fernández - Principal Invitado
Christian Jiménez - Principal Asociado
María Vanessa Ascanio
Jean Carlos Coronado
Enn Rene Díaz*
Ángel Miguel Hernández
Christopher Ibarra
Isaac Ricardo Loreto
Mariana Martínez
Roberto Pérez
Anayeli Tapia
Piotr Ziatkov


FLAUTAS
Antonio Dubatovka - Principal
MariaJosé León - Principal Asociado
Katherine Rivas - Asistente Principal Y Piccolo

OBOES
Ely Molletones - Principal Asociado
Jorge Rivero - Principal Asociado
Elvis Romero - Asistente Principal Y Corno Inglés

CLARINETES
Jeslán Fernández - Principal
Edgar Lany Flores - Principal Asociado
Carlos Ramírez - Clarinete Bajo

FAGOTES
Cristóbal Acosta - Principal
Anani Donev
Cristian Cóliver - Asistente Principal Y Contrafagot

CORNOS
Luis Sousa - Principal

Marcos Cruz Pardeiro - Principal Asociado
Amber Dean
Daniel Canas
Carlos Martínez


TUBA
Tomás Alemany

TIMBALES
Omar González - Principal

PERCUSIONES
Héctor Flores Bringas - Principal Asociado
Alfredo Tiscareño Castellanos
Ramón Aceves

ARPA
Caroline Bembia - Principal

PIANO/CELESTA
Sergio Hernández *


TROMPETAS
João Vilão - Principal
Gustavo Merlo - Principal Asociado
Stefano Flaibani

TROMBONES
Branimir León - Asistente Principal

Sérgio Rainho Simões - Trombón Bajo

 

 

 

 




 

Notas al programa

 

Na’Lu’Um de Cristina García Islas

De origen maya, la palabra Na’Lu’Um significa Madre Tierra, en la cual Na’ representa a la Madre y Lu’Um a la Tierra.
La intención personal de buscar este simbolismo en mi música viene de la necesidad de una reconexión espiritual con el entorno natural, así como por hacer una ofrenda a la Tierra, a la creación y a la vida. Hace nueve años empecé a escribir La piedra solar para orquesta. En aquel entonces, la destrucción, el cataclismo y la oscuridad que rodea actualmente a la humanidad y a la naturaleza tenían un peso enorme en mi escritura y en sus sonoridades.
Así, encontrábamos texturas oscuras, mucha fuerza, pero también este pesar que el hombre lleva entre las manos que es la muerte y la fatalidad de siempre tener que cumplir un ciclo de existencia.
Na’Lu’Um es la reconciliación humana con la vida y el tiempo. En ella busco expresar la fuerza de la Naturaleza, pero esta vez para su creación. Los elementos característicos de la obra están basados en melodías cromáticas acompañadas por contornos texturales, glissandos y cuartos de tono sutiles y repentinos. La melodía se vuelve esencial en la obra, así como la presencia de una variación que realicé sobre el Monólogo para órgano opus 63 no. 10, Fuga en mi menor del compositor alemán Max Reger. Este proceso de introducción de una cita de otro compositor fue un reto importante para mí y su amalgama en un lenguaje diferente fue una inspiración paralela a la creación de la obra.

https://sc.jalisco.gob.mx/acervos/premio-nacional-de-composicion-orquestal/obra-na-lu-um

 

Concierto para Violín y Orquesta de Philip Glass (Arr. para saxofón de I. Crochet)

El concierto para violín No. 1 de Philip Glass es una obra que fue encargada por la American Composer Orchestra para el violinista solista y director de orquesta Paul Zukofsky. Su primera representación tuvo lugar el 5 de abril de 1987 en Nueva York. Fue inspirada al compositor por su difunto padre, representa una de sus obras más significativas. Suele tener un duración de 25 a 30 minutos.
Después de la escritura de sus primeras óperas, Philip Glass fue motivado por el director de orquesta Denis Russell Davis para producir obras orquestales y este concierto marca el primer intento del compositor en la escritura de obras no teatrales.

Al principio, Glass había previsto la estructura la obra en cinco movimientos, Zukofsky había pedido un final lento y agudo. En el transcurso de la escritura del concierto, Glass llegó a la conclusión que sería más oportuno reducir el número de movimientos y siguió finalmente una estructura convencional en tres movimientos.
Según Glass, esta estructura tradicional no fue observada con la finalidad de darle cierta normalidad a la pieza para con la estructura clásica. Se trató simplemente de una conclusión que se hizo sin premeditación, su trabajo encontrado “su vía por sí mismo” Así, el primer y segundo movimiento se desarrollaron en piezas más largas de lo que tenía previsto.
Glass pensó en su padre, falleció 16 años antes, durante el proceso de escritura de su obra: “Escribí esta pieza en 1987 pensando: voy a componer una obra que le hubiera gustado a mi padre [...] Un hombre muy inteligente que no tenía ninguna educación musical, pero el tipo de persona que llena las salas de concierto. [...] Esta obra es popular, como era mi intención, es para mi padre.”

https://palomavaleva.com/es/concierto-para-violin-n-1-de-philip-glass/

 

“Enigma Variations” de Edward Elgar

La primera presentación de Enigma Variations, fue dirigida por el director Hans Richter el 19 de junio de 1899 en Londres, quien hizo que Elgar se convirtiera prácticamente de la noche a la mañana como el mejor compositor de Inglaterra desde Purcell. Él creó una pieza única: constituida por un secuencia de retratos musicales de su esposa, amigos y de él mismo, basados en una melodía que representa, lo que él dijo más tarde como “La soledad del artista”.

A pesar de que el subtítulo “Enigma” fue agregado por el editor de Elgar antes del estreno, el compositor sugirió que “a lo largo de todo el programa va una ejecución más larga, pero que no es interpretada”. El interminable trabajo de investigación de la musicología no ha logrado encontrar una melodía que encaje. Esto debe ser porque no existe: con la misma autoridad que Elgar, sugirió el compositor Michael Kennedy que el mismo compositor estaba pensando un tema más amplio y abstracto para la obra sobre la amistad y el amor en medio de la escena social en y alrededor de su hogar en Worcestershire.

Variación I (L’istesso tempo) “Caroline Alice Elgar”
Variación II (Allegro) “Hew David Steuart-Powell”
Variación III (Allegretto) “Richard Baxter Townshend”
Variación IV (Allegro di molto) “Richard Penrose Arnold”
Variación VI (Andantino) “Ysobel”
Variación VII (Presto) “Troyte”
Variación VIII (Allegretto) “Winifred Norbury”
Variation IX. Adagio "Nimrod"
Variación X (Intermezzo: Allegretto) “Dorabella”
Variación XI (Allegro di molto) “George Robertson Sinclair”
Variación XII (Andante) “Basil G. Nevinson”
Variación XIII (Romanza: Moderato) “* * *”
Variación XIV (Finale: Allegro Presto) “E.D.U.”

 

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