Festival Cultural de Mayo 2016
 
 
 

Lilya Zilberstein, piano (Alemania)

Orquesta Filarmónica de Jalisco
Marco Parisotto, director titular

Viernes 13 de mayo/20:30 h - programa 1
Domingo 15 de mayo/18:30 h - programa 2

Lilya Zilberstein entra en el círculo dorado de los grandes pianistas del siglo XX

Sergio Alejandro Matos - Director General del Festival Cultural de Mayo

Programa 1
Viernes 13 de mayo/20:30 h

Concierto para piano No. 2 op. 18  de
Sergei Rachmaninov
(1873-1943)
[35 min]

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I- Moderato
II- Adagio sostenuto
III- Allegro scherzando

Intermedio

Sinfonía No. 1 en Re mayor “ Titán” de
Gustav Mahler  (1860-1911)
[50 min]

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I.Langsam, schleppend
(Como un ruido de la naturaleza).

II. Scherzo: Kräftig bewegt, doch nicht zu schnell
(Scherzo: Poderosamente agitato, pero no demasiado rápido).

III. Trauermarsch: Feierlich und gemessen, ohne zu schleppen
(Marcha fúnebre: solemne y mesurado, sin rezagarse).

IV. Stürmisch bewegt (Agitato).

Lugar: Teatro Degollado
Hora: 20:30 h
Admisión: $120 a $270

boletos en Ticketmaster

Programa 2
Domingo 15 de mayo/18:30 h

Richard Strauss (1864-1949)

Don Juan op. 20
[18 min]

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Burlesque para piano y orquesta
[20 min]

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Intermedio

Las divertidas travesuras de Till Eulenspiegel op. 28
[18 min]

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Suite de la opera “El Caballero de la Rosa” op. 59
[24 min]

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Lugar: Teatro Degollado
Hora: 18:30 h
Admisión: $120 a $270

boletos en Ticketmaster

 

Lilya Zilberstein, piano

Desde que ganó el “First Prize” (Primer Premio) en el Concurso Internacional de Piano Ferruccio Busoni en 1987, Lilya Zilberstein se ha posicionado como una de las mejores pianistas del mundo. Artistas en residencia de la Filarmónica de Stuttgart en 2012-13, aparecerá en la próxima temporada de la Beethoven Orchester (Bonn), la Filarmónica de Pilsen (República Checa), Filarmónica de Eslovenia, Orquesta Filarmónica de Liubliana, y regresará a presentarse con la Filarmónica de Stuttgart en Milán y Stuttgart. Además, estará en Estados Unidos y México en esta temporada, en dónde estará regresando a presentarse con la Filarmónica de Rhode Island y con la Orquesta Sinfónica de Minería y con la Orquesta Filarmónica de Jalisco.

En Norteamérica, la señorita Zilberstein ha tocado con las sinfónicas de Chicago (en Ravinia), Colorado, Columbus, Dallas, Flint, Indianápolis, Jacksonville, Kalamazoo, Milwaukee, Montreal, Omaha, Quebec, Oregón y Saint Louis, así como con la Orquesta de Florida, la Filarmónica de Luisiana y la Sinfónica Pacific entre otras. Entre los compromisos que tiene alrededor del mundo se encuentran la Filarmónica de Belgrado, de Berlín y de la República Checa, Sinfónica de Dortmund, Dresden Staatskapelle, Sinfónica de Düsseldorf, Filarmónica de Helsinki, Konzerthausorchester/Berlín, Filarmónica de Cracovia, Leipzig Gewandhaus, Sinfónica de Londres, Orquesta Mediterránea de Palermo, Sinfónica de Miscolz (Hungría), Filarmónica de Moscú, Filarmónica de Nápoles, Orquesta Sinfónica Nacional de Perú, Sinfónica NKH (Tokio), Orquesta Regional Toscana (Florencia), Orquesta Sinfónica Nacional de México, Orquesta Sinfónica de Minería (México), Orquesta Filarmónica de Minas Gerais (Brasil), Filarmónica de Qatar, Sinfónica de RAI (Torino), Royal Philarmonic, Orquesta de La Scala, Orquesta Saarbrucken Staatstheater, Filarmónica de Stuttgart, Sinfónica de Taipéi, Sinfónica de Viena y Filarmónica de Zagreb. Los festivales a los que ha asistido son al de Campos de Jordao (Brasil), Cámara de Música de Irlanda, Lugano, Mondsee, Península, Chautauqua y Mostly Mozart (tanto en Nueva York como en Japón). Entre los recitales se encuentran lugares como Alicante, Beijing, Florencia, Lucca, Lyon, Padova, París y Taipéi, por mencionar algunos.

La señorita Zilberstein se ha presentado en numerosos recitales con Martha Argerich. Además de las ovaciones que ha tenido en Noruega, Francia, Italia y Alemania, en 2003 lanzó un disco de sonatas de Brahms para dos pianos interpretado por ella la señorita Argerich. De entre sus más recientes colaboraciones con Marcha Argerich se destacan recitales en Hamburgo y Bremen. Zilberstein también ha participado en extensas giras a Estados Unidos, Canadá y Europa con el violinista ruso Maxim Vengerov. En la grabación EMI Martha Argerich and Friends: Live from the Lugano Festival, se destaca la interpretación de Vengerov y Zilberstein de la Sonata No.3 para Violín y para Piano de Brahms, la cual ganó una nominación a los Grammys por mejor álbum clásico y mejor interpretación de música de cámara. Se está desarrollando una nueva colaboración entre Lilya Zilberstein y sus dos hijos, Daniel y Anton, quienes se han convertido en excelentes pianistas. Daniel y Anton están dando conciertos a dueto, así como con su madre tocando el Triple Concerto de Mozart y otras obras para piano a seis manos.

Zilberstein también ha hecho numerosas grabaciones para Deutsche Grammophone; éstas incluyen los Conciertos No. 2 y 3 de Rachmaninov con Claudio Abbado y la Filarmónica de Berlin, el Grieg Concerto con Neeme Järvi y la Sinfónica de Göteborg, así como obras de solos de Rahmaninov, Shostakovich, Mussorgsky, Liszt, Schubert, Brahms, Debussy, Ravel y Chopin. En su más reciente disco, lanzado en 2014 bajo la marca Oehms, Zilberstein toca con la Orquesta Gürzenich (Colonia) bajo la dirección de Dmitri Kitajenko, interpretando el Concierto No. 3 para piano de Tchaikovsky.

Originaria de Moscú, Lilya Zilberstein se graduó del Instituto Pedagógico de Gnessin. Además de su medalla de oro en la Concurso de Busoni, es merecedora del premio de la Accademia Musicale Chigiana de Siena, Italia (entre los galardonados también se encuentran Gidon Kremer, Anne-Sophie Mutter y Esa-Pekka Salone). Reside en Alemania desde 1990, en dónde fue profesora invitada de piano en el Musikhochschule de Hamburgo de 2009 a 2013. En octubre 2015 comenzó con una nueva posición como profesora de piano en la Universidad de Música de Viena.

 

Marco Parisotto, director titular

Originario de Montreal y de ascendencia italiana, Marco Parisotto es uno de los más aclamados y notables directores canadienses en la escena mundial.

Marco Parisotto, se ha presentado en las principales salas de concierto del mundo, ganando el reconocimiento de la crítica y el público con numerosas orquestas como la Philharmonia de Londres, Sinfónica de Montreal, Orquesta Sinfónica de Milan “La Verdi”, Sinfónica de New Jersey, Sinfónica de Toronto, Filarmónica de Calgary, Sinfónica de Edmonton, Sinfónica de Vancouver, Sinfónica de Victoria, Orquesta del Centro Nacional de Artes en Ottawa, Sinfónica de Québec, Sinfónica de Nueva Escocia, Filarmónica de Osaka, Sinfónica de Tokio, Sinfónica de Japón Shinsei, Ópera de Giuseppe Verdi di Trieste, Ópera de Montreal, Ópera de Shangai, Filarmónica de Zagreb, Filarmónica de Georges Enescu en Bucarest, Sinfónica Goteborg Academy en Suecia, Orquesta Nacional de Francia, Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, Ópera de Bordeaux, Ópera de Marsella, Orquesta Nacional de Lille, Filarmónica de Strasbourg, Orquesta Lamoureux en el Teatro de los Campos Elíseos en París, Filarmónica de Liege y la Sinfónica de Toledo (EUA), entre otras.

También fue aclamado por sus presentaciones al frente de la Polish National Radio Symphony, Montecarlo Philharmonic, Orquesta Nazionale della RAI de Torino, Orquesta de Córdoba, Orchestre de Bayonne Cote-Basque y el Teatro nacional de Serbia, entre otros. En 2011 Marco Parisotto tuvo el honor de dirigir el concierto en celebración del 130 aniversario de la Orchestre des Concerts Lamoreux. Recientemente debutó con la Orquesta Filarmónica de Busan (Corea), la Guiyang Symphony (China), Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León (México) y estuvo a cargo del concierto de clausura del Festival Internacional Wieniawski (Polonia).

Marco Parisotto, ha sido ganador de no menos de siete de las más importantes competencias internacionales, coronando estos triunfos con el Concurso Internacional de Directores de Besançon, Francia, en el que obtuvo el Gran Premio así como el Premio del Público en 1997 (este último, otorgado por primera vez en la historia de dicho evento), sumándose así al grupo de directores ganadores de este prestigiado concurso como Seiji Ozawa, Michel Plasson y Zdenek Macal, entre otros. Obtuvo asimismo los premios principales en el Concurso Internacional de Tokio, el Constantin Silvestri de Rumania y el Antonio Pedrotti de Italia.

 

Orquesta Filarmónica de Jalisco

La Orquesta Filarmónica de Jalisco es una de las orquestas con mayor tradición e importancia en el panorama musical mexicano. Celebrando 100 años de existencia en el año 2015, la OFJ fue fundada en la ciudad de Guadalajara por uno de los más destacados compositores/directores de México, el Mtro. José Rolón. Por iniciativa del Mtro. Rolón, un grupo de músicos originarios de Jalisco comenzaron a presentar conciertos de música sinfónica y de cámara para el público de Guadalajara, estableciendo un fuerte punto de partida para la fundación de la Filarmónica de Jalisco, conocida en sus inicios como Orquesta Sinfónica de Guadalajara.

En febrero de 1942, durante la celebración del 400 aniversario de la fundación de la ciudad de Guadalajara, el Maestro Leslie Hodge fue invitado como Director Titular de la orquesta pero sus compromisos en ese momento, no le permitieron aceptar. Sin embargo, prometió regresar al final de la Segunda Guerra Mundial. Esta oferta motivo que la Asociación de Amigos de la Orquesta le pidiera al gobernador Marcelino García Barragán que garantizara la continuidad de la orquesta.

Fue en el año de 1988 cuando se dio la transición de la entonces Orquesta Sinfónica de Guadalajara hacia lo que sería la Orquesta Filarmónica de Jalisco con la misión de promover la música sinfónica en todo el Estado. A lo largo de su historia, la OFJ ha estado bajo la dirección artística de Manuel de Elías, José Guadalupe Flores, Guillermo Salvador, Luis Herrera de la Fuente, Héctor Guzmán, Alondra de la Parra y actualmente, del Mtro. Marco Parisotto.

 

INTEGRANTES OFJ:

Violines I

Iván Pérez / Concertino I

Angélica Olivo / Concertino II

Dmitri Pylenkov / Concertino asistente

Cecilia Gómez / Concertino asistente

Juan González / Concertino asociado

Brandon Sulbaran

David Bordoli

Greimer Parra

Nathaniel Basa

Dezsö Salasovics

Adrián Barrera

Ivan Stebila

Diego Rojas

Cesar Huizar

Alejandro García

 

Violines II

Álvaro Larez / Principal asociado

Simón Casasola

Rhio Sánchez

Eleazar Yeguez

Luís Salazar

Paola Nava

Maria Geraci

Esmiralda Mironova

Alex Espinoza

Fabiola Galvis

Franklin Bolívar

Hugo Uribe

María Belmonte

 

Violas

Ronald Virgüez / Principal asociado

Karoly Toth

James Mcleod

Omar Perez

Carlos Bonilla

Carlos Rondón

Manuel Olivares

Luis Molina

José Perez

 

Violonchelos

William Molina / Principal asociado

Christian Jiménez / Principal asociado

Laila Kanniña

Ángel Hernández

Jose Nieto

Jean Coronado

Mariana Martinez

María Ascanio

Roberto Pérez

Anayeli Tapia

Contrabajos

Brian Fountain

David Carpio

Mario García

Gergana Todorova

Marco Valencia

Carlos López

Mario Ballesteros

Salvador Gómez

 

Flautas

Antonio Dubatovka / Principal

María León/ Principal asociado

Mariaceli Navarro/ Piccolo

 

Oboes

Jorge Rivero

Miguel Medina / Corno Inglés

 

Clarinetes

Xhovan Dimo / Principal

Edgar Flores / Principal asociado

Carlos Ramírez / Clarinete bajo

 

Fagotes

Cristóbal Acosta / Principal

Anani Georgiev / Principal asociado

Juan Villaseñor / Contrafagot

 

Cornos

Jhon López / Principal asociado

Amber Kay

Debora Maffeis

Juan Montesinos

Virginia García / Corno asistente

 

Trompetas

Emanuele Casieri / Principal

Joao Da Costa / Principal asociado

Stefano Flaibani‏

Jeffrey Smith

 

Trombones

Juan Pardo / Principal

Anderson Rodrigues / Trombón II

 

Tuba

Tomas Alemany / Principal

 

Arpa

Guadalupe Corona / Principal

 

Percusiones

Omar González / Timpani

Juan Aceves

Alfredo Tiscareño

 

Notas al programa:

Concierto para piano No. 2

Sergei Vasilyevich Rachmaninov , nació el 1 de abril de 1873 y murió el 28 de marzo de 1943; fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso, uno de los últimos grandes compositores románticos de música clásica europea y considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo XX.

Rachmaninov no escribiría nada durante el verano siguiente al estreno de su Primera Sinfonía . Tras su fracaso, pensó dedicar su vida a la dirección más que a la composición, y fue nombrado director de la Compañía de Ópera de Moscú. Tras un exitoso debut, dirigiendo Sansón y Dalila de Camille Saint-Säens, su fama fue extendiéndose por toda Europa, hasta el punto de recibir una oferta de la "Royal Philarmonic Society" de Londres para interpretar y dirigir alguna de sus propias obras.

Más deprimido que nunca, Rachmaninov se puso en manos de el Dr. Nikolai Dahl, especialista en neurología e hipnosis, quien le trataría durante la mayor parte del año 1900, con excelentes resultados. Tras un viaje a Italia, Rachmaninov comenzó a escribir los primeros bocetos de una de sus obras maestras, el Concierto para Piano y Orquesta nº2, que sería finalizado y estrenado en 1901 y dedicado al propio Dahl, con un inmenso éxito de crítica y público, y supondría el ansiado resurgimiento de uno de los más grandes artistas de la historia de la música.

 

La Sinfonía No. 1 («Titán») en Re mayor

Gustav Mahler, nació en Kaliště, Bohemia, actualmente República Checa el 7 de julio de 1860 y murió en Viena el 18 de mayo de 1911; fue un compositor y director de orquesta austriaco.

La Sinfonía No. 1 fue compuesta en el año 1888. En un principio la obra fue concebida como un largo poema sinfónico. Mahler le llamó Titán por la novela de Jean Paul, aunque especificó que la sinfonía no se basaba en absoluto en ella. Mahler utilizó en esta sinfonía música procedente de su abandonado proyecto de ópera Rübezahl, que también usó en La canción del lamento.

Al estrenarse, fue acusada de desafiar todas las leyes de la música, siendo calificada de vulgar y sin sentido. Hoy en día, esta sinfonía es una de las más apreciadas de Mahler, debido a su gran riqueza melódica que se divide en cuatro movimientos :

I. Langsam, schleppend (Como un ruido de la naturaleza).

Comienza con una introducción mágica y como de ensueño, tras la cual aparece un movimiento rápido dominado por un tema alegre en la cuerda, que luego pasa a toda la orquesta. Tras una repetición de la introducción, aparece un tema nuevo en las trompas, que conduce a un gigantesco clímax tras el que el movimiento concluye con una alegría desenfrenada.

II. Scherzo: Kräftig bewegt, doch nicht zu schnell (Scherzo: Poderosamente agitato, pero no demasiado rápido).

Scherzo basado en el Ländler, danza popular austriaca. La parte central, (trio) más tranquila, ofrece un momento de descanso poético, aunque también tiene carácter de danza clásica.

III. Trauermarsch: Feierlich und gemessen, ohne zu schleppen (Marcha fúnebre: solemne y mesurado, sin rezagarse).

Es una marcha fúnebre en re menor. Comienza con un solo de contrabajo que es una variación en modo menor del tema «Frère Jacques» (el popular «Campanero» o «Martinillo»). La tristeza de la marcha fúnebre contrasta con pasajes grotescos en los que parece sonar una música de banda popular y compases de danza.

IV. Stürmisch bewegt (Agitato).

 

Richard Strauss

(Munich, 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 1949) Compositor alemán. Ocupa un lugar de gran relieve en la historia musical de nuestro tiempo, en la que representa las postreras ramificaciones del romanticismo.

Hans von Bülow le llamó en 1885 para colaborar con él en la dirección del teatro de corte de Meiningen. Allí trabó amistad con A. Ritter, que ejerció una influencia decisiva en el joven músico y le convirtió al arte de Liszt y de Wagner. En 1886, después de un viaje a Italia, Strauss fue nombrado director adjunto de la ópera de Munich. Durante aquellos años compuso numerosos lieder y los poemas sinfónicos Macbeth y Don Juan. De 1889 a 1894 fue director de orquesta en el teatro de Weimar; de esta época datan el poema sinfónico Muerte y transfiguración y su primera obra teatral: Guntram.

Después de viajar por Grecia, Egipto y Sicilia (1892-93), Strauss fue sucesivamente director de la Ópera de Munich y de la de Berlín (1898-1919). Sus notables poemas sinfónicos ya le habían dado celebridad cuando afirmó con Salomé su concepción "sinfónica" de la obra teatral, que ilustró con producciones posteriores. Strauss, que como director de orquesta triunfó en las grandes capitales del mundo entero, fue codirector de la ópera de Viena desde 1919 a 1924. Pasó sus últimos años en Garmisch, donde murió.

 

Don Juan op. 20

Data de 1888 y fue el primero de los poemas sinfónicos en editarse por el autor. Otros dos le habían precedido: Aus Italien, op. 16, en una línea fronteriza entre las filiaciones brahmsianas y wagnerianas del autor (1886), y Macbeth, op. 23 (1886-87). Strauss mismo, joven de 25 años, dirigió Don Juan, op. 20 en la corte de Weimar el 11 de noviembre de 1889. En Estados Unidos, la première fue ofrecida en Boston, en 1891, con la dirección de Arthur Nikisch. La obra está instrumentada para tres flautas y piccolo, dos oboes y corno inglés, dos clarinetes, otros tantos fagotes y contrafagotes, cuatro cornos, tres trompetas, tres trombones y tuba, timbales, címbalos, triángulo, campanas, arpa y cuerdas. La partitura lleva dedicatoria a Ludwig Thuille, compositor austriaco, amigo de Richard Strauss.

A través de Don Juan, concitó Strauss la atención del mundo; vivió lo bastante (hasta 1949) para verse transformado en un "clásico", para hallarse convertido (en los conceptos de Karl Geiringer) en "virtualmente un monumento de su propio gran pasado". La juvenil exuberancia de su obra, que lleva el opus 20, acaso no tenga igual en el resto de su ulterior producción; hay quienes consideran a Don Juan como su composición más inspirada entre las de cepa puramente orquestal.Fue la primera composición que lo mostró en toda la impresionante garra de su personalidad y en donde se reveló contra la dominante tradición clásico-romántica. Fue, al mismo tiempo, su primera obra maestra, que lo conduciría a la eclosión de su personalidad avasalladora, llena de vigor y fuerza expresiva. Todas las principales características del arte de Strauss se encuentran ya claramente evidentes en esta obra de juventud: el incomparable vuelo de sus temas y de sus desarrollos, la intensidad de la expresión armónica, el esplendor —brillante y opulento— del color orquestal y, sobre todo, la fuerza de su rica inspiración que —en este caso— imprime a la obra variedad de emociones opuestas que prenden en el oyente llevándolo de la mano por un universo sonoro exuberante y cargado de emoción.

 

Burlesque en Re menor para piano y orquesta

Se trata de una obra de juventud de Strauss y en ella se puede notar cierta inspiración brahmsiana. Fue dedicada originalmente, bajo el nombre de Scherzo en re menor, al pianista y director de orquesta Hans von Bülow, con quien Strauss había aprendido la dirección orquestal. Sin embargo von Bülow se negó a estrenar la pieza por considerarla de una dificultad técnica muy grande. El compositor revisó la pieza cuatro años más tarde, le dio el nombre de Burlesque, y la dedicó a Eugen d'Albert, antiguo alumno de Franz Liszt, quien la estrenó bajo la dirección del propio Strauss en Eisenach el 21 de junio de 1890.

 

Las divertidas travesuras de Till Eulenspiegel op. 28

Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel, op. 28 (título original en alemán Till Eulenspiegels lustige Streiche) es un poema sinfónico, el estreno tuvo lugar el 5 de noviembre de 1895 en Colonia bajo la batuta de Franz Wüllner. Más tarde el propio autor dirigió otra interpretación en Múnich el 29 de noviembre de 1895 y Hans Richter lo estrenó en Viena el 5 de enero de 1896. Se trata de una crónica de las desventuras y travesuras de Till Eulenspiegel, que era un héroe popular campesino del folklore del norte de Alemania y los Países Bajos. Los dos temas que representan a Till son interpretados por la trombón y el clarinete en Re respectivamente. El tema del trombón es una melodía cantarina que alcanza un clímax, cae hacia abajo y finaliza con tres notas largas y fuertes, cada vez más graves. El tema del clarinete es astuto y zalamero, lo cual sugiere a un embaucador haciendo lo que mejor sabe hacer.

 

Suite de la opera "El Caballero de la Rosa" op. 59

Su enorme talento como compositor y director de orquesta le permitió adquirir tempranamente un enorme prestigio. Strauss se interesó ampliamente por el teatro musical y con el libretista Hugo von Hofmannsthal llegó a formar un eficiente equipo de trabajo para la realización de varios proyectos, siendo el más renombrado de ellos la ópera cómica El caballero de la rosa. Esta obra en tres actos fue representada por primera vez en el Teatro de la Ópera de la Corte en Dresden, el 26 de enero de 1911. Varios autores coinciden en afirmar que se trata de la más exitosa de las óperas escritas en el siglo XX.

Para el musicólogo Peter Gammond, el interés de El caballero de la rosa reside en sus melodías memorables (incluyendo los famosos valses), el estilo y elegancia de la obra, así como el encanto de sus personajes. El argumento se desarrolla en Viena a mediados del siglo XVIII y está lleno de divertidos enredos amorosos.

En 1934, Strauss resolvió escribir una suite de valses a partir de elementos del último acto de la ópera y diez años más tarde compuso una nueva suite. En esta ocasión reunió  material musical tomado de los dos primeros actos.

 

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