Festival Cultural de Mayo en Jalisco
Jueves 26

VADYM KHOLODENKO, piano (Ucrania)

Lugar: Teatro Degollado
Admisión: $80 a $150 pesos
Horario: 20:30 h

previo al concierto, ven a la conferencia
"La Cultura, un camino para la Paz Mundial y el Desarme Nuclear"

 

 

PROGRAMA

Theme and Variations en fa mayor op. 19 no. 6 de Piotr Ilich Chaikovski
11:00

Fantasía no. 4 en do menor, K. 475 de Wolfgang Amadeus Mozart
13:10

Sonata para piano no. 14 en do menor, K. 457 de Wolfgang Amadeus Mozart
20:00

Intermedio

Miserere du Trovatore de Verdi, S.433, arr. Para piano de Franz Liszt
08:30

An die ferne Geliebte op. 98 de Beethoven, arr. Para piano de Franz Liszt
15:00

Adelaide op. 46 de Beethoven, S. 466, arr. Para piano de Franz Liszt
10:40

Réminiscences de Don Juan (Grande fantaisie), S.418 de Franz Liszt
17:00

 

“Sin duda un artista excepcional” Le Figaro

“Virtuosismo inteligente y fuego jovial” The Guardian

“Una de las más notables cualidades de Khodolenko como pianista es su impresionante tono brillante, que le permite dejar las notas flotando en el aire por más tiempo de lo que las acústica del sonido podría ser capaz.” Los Angeles Times

“Kholodenko tenía el virtuosismo, el poder y el talento para los conciertos y una belleza soñadora para el lento movimiento del Primero.” Dallas Morning News 

“Con Kholodenko, el instrumento y el [Concierto de Tchaikovsky n. ° 1], mostró una refrescante vitalidad, mostrando un talento reflexivo y emprendedor” The Philadelphia Inquirer

 

 

VADYM KHOLODENKO, piano

 

Vadym Kholodenko se está construyendo rápidamente una reputación como uno de los jóvenes pianistas musicalmente más dinámicos y técnicamente dotados que ha surgido recientemente en el escenario. Sus galardones incluyen la Medalla de Oro del Concurso Cliburn de 2013, un prestigioso Diapason d'Or de l'année por su disco solista de Scriabin para Harmonia Mundi y el Primer Premio en el Concurso de Piano Schubert en Dortmund y el Concurso de Piano de Sendai en Japón. En 21/22 es Artista en Residencia con la SWR Symphonieorchester.

Kholodenko ha captado la imaginación de distinguidos directores como Valery Gergiev, Teodor Currentzis, Vladimir Fedoseyev, Kirill Karabits, Louis Langrée, Christian Macelaru, Pinchas Zukerman, Krzysztof Urbanski, Yuri Bashmet, Thomas Søndergård, Ion Marin, Leonard Slatkin y Kazuki Yamada. Valery Gergiev lo nombró Artista del Mes durante la residencia de Kholodenko en la Sala de Conciertos Mariinsky, y el director lo ha solicitado para conciertos y grabaciones en París, Luxemburgo, Munich y San Petersburgo.

En América del Norte, Kholodenko ha actuado con la Orquesta de Filadelfia, la Sinfónica de Atlanta, la Sinfónica de Indianápolis, la Sinfónica de Cincinnati, la Filarmónica de Rochester y la Sinfónica de San Diego, y realizó giras con la Staatskapelle Weimar bajo la dirección de Kirill Karabits. Ha dado recitales en todo Estados Unidos, incluidos Nueva York, Washington y Boston, y en el Festival de Música de Aspen.

Su debut en Londres con la Royal Philharmonic Orchestra resultó en una reinvitación inmediata y recientemente ha trabajado con la BBC Scottish Symphony Orchestra, Royal Scottish National Orchestra, Bournemouth Symphony, Orchestre National Bordeaux Aquitaine, Orchestre Philharmonique de Luxembourg, Norwegian Radio Orchestra, Copenhague Filarmónica, Orquesta Sinfónica de Praga, Sinfónica de Barcelona, Orquesta Sinfónica de RTVE en Madrid y Orquesta Nacional de España. Ha dado recitales como solista en el Konzerthaus de Viena, Wigmore Hall y LSO St Luke's de Londres, Liszt Academy Budapest, en París, Moscú, Bilbao, Bruselas, Lucerna y en el SWR Schwetzinger Festspiele, La Roque d'Anthéron y el Festival Chopin de Varsovia. Músico de cámara comprometido, disfruta colaborando con artistas como Vadim Repin, Alena Baeva, Clara-Jumi Kang y Maxim Rysanov.

Kholodenko es un visitante habitual de Japón y ha tocado con la Filarmónica de Japón y la Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio, y recientemente realizó una gira por el país con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Praga. Ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Sydney y la Orquesta NCPA en Beijing y ha dado recitales en todo Japón, así como en Beijing y Singapur.

En su residencia con la SWR Symphonieorchester Stuttgart, Kholodenko interpretó el Concierto para piano No. 2 de Brahms con Teodor Currentzis, el Concierto para piano No. 5 de Beethoven con Lionel Bringuier y Rachmaninov con Dmitry Slobodeniuk. En otros lugares interpretó Beethoven con la Orquesta Sinfónica de la BBC, Prokofiev con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC y con la Orquesta Sinfónica Nazionale della RAI (Turín), la Orquesta Nacional RTE de Irlanda, la Orquesta Filarmónica de Nancy y un regreso a la Filarmonica Toscanini en Parma, donde fue Artista en Residencia la temporada pasada. Da recitales en Oxford, Roma, Venecia, Oporto, Toulouse y realiza giras por América del Norte, incluidas actuaciones en Washington y Miami.

Las grabaciones de Kholodenko para Harmonia Mundi incluyen el Concierto para piano de Grieg y el Concierto para piano No. 2 de Saint-Saëns, que recibió el premio Editor's Choice en Gramophone, "una grabación verdaderamente sobresaliente" y el ciclo completo de Conciertos para piano de Prokofiev. Su disco de obras en solitario de Scriabin recibió un Diapason d'Or de l'année y la temporada pasada lanzó otros dos discos en solitario de obras de Prokofiev y Tchaikovsky. Los planes futuros incluyen grabar obras de Chopin y Godovsky. Para Arthaus grabó el Concierto para piano No. 5 de Prokofiev con el Teatro Mariinsky dirigido por Valery Gergiev.

Vadym Kholodenko nació en Kiev, Ucrania y dio sus primeros conciertos a la edad de 13 años en Estados Unidos, China, Hungría y Croacia. Estudió en el Conservatorio Estatal de Moscú con la profesora Vera Gornostaeva.

 


 

NOTAS AL PROGRAMA

Fantasía no. 4 en do menor, K. 475 de Wolfgang Amadeus Mozart

La Fantasía n.º 4 en do menor, K. 475, es una composición para piano solo escrita por Wolfgang Amadeus Mozart en Viena el 20 de mayo de 1785. La pieza fue publicada en diciembre de 1785 junto con la Sonata para piano n.º 14, KV 457, como Opus 11 por la editorial Artaria, el principal editor de Mozart en Viena.

La pieza comienza en la tonalidad de Do menor y presenta la indicación de tempo de Adagio, que al poco cambia a Allegro, y comienza una sección que va de La menor a Sol menor, fa mayor y Fa menor. A continuación, se inicia una nueva sección en Si bemol mayor, en tempo de Andantino que cambia a una sección più allegro en Re menor, en la que se reexpone el tema inicial antes de terminar en Do menor. Debido a los cambios sorpresivos de tonalidad que presenta, la música no presenta armadura, de tal manera que todas las alteraciones están escritas como accidentales. Por otra parte, en la línea de las demás fantasías de Mozart, esta obra presenta un carácter bastante virtuosístico.

 

Sonata para piano n0. 14 en do menor, K. 457 de Wolfgang Amadeus Mozart

La Sonata para piano no. 14 en do menor, K. 457, de Wolfgang Amadeus Mozart fue compuesta en 1784, concretamente el 14 de octubre, tal como aparece en el catálogo privado de sus obras que llevaba el propio Mozart. Fue publicada en diciembre de 1785 junto con la Fantasía en do menor, KV 475, como opus 11, por la editorial Artaria, el principal editor de las obras de Mozart en Viena del momento.

La página de título lleva una dedicatoria a Thérèse von Trattner, que fue una de las alumnas de Mozart en Viena. Su marido era un importante editor, además de ser al mismo tiempo el casero de Mozart. Por otra parte, el matrimonio Trattner fueron padrinos de cuatro de los hijos de Mozart.

La sonata fue compuesta durante el periodo de diez años en que Mozart trabajó como artista por cuenta propia en Viena, después de renunciar al patronazgo de Hieronymus von Colloredo, Príncipe-arzobispo de Salzburgo en 1781. Esta obra es una de las primeras sonatas de las seis que compuso en sus años en Viena y fue escrita probablemente como herramienta didáctica para sus discípulos o para uso personal. Durante este tiempo, las sonatas eran compuestas en general para la esfera doméstica —al contrario que las sinfonías o los conciertos, que estaban diseñados para transmitir ideas en un marco íntimo.
La interpretación de la obra suele durar unos dieciocho minutos.

Estructura
Consta de tres movimientos:
I. Molto allegro
II. Adagio
III. Allegro assai

I. Molto allegro
El primer movimiento está escrito en forma sonata.3 Comienza con una fogosa subida, que aparece dos veces en el primer grupo temático, el cual se extiende entre el primer y el noveno compás. El segundo grupo temático, escrito en mi bemol mayor, la tonalidad relativa de do menor, aparece por primera vez entre los compases 23 y 71. La exposición comienza pasando en el compás setenta y uno al desarrollo, que se extiende entre los compases 75 y 99. Este fragmento de la sonata es el más inestable armónicamente, desarrollándose tanto en fa menor como en sol menor, antes de regresar a do menor.4 La reexposición se produce entre los compases 100 y 168, y la coda que pone fin al movimiento entre los compases 168 y 185.

II. Adagio
El movimiento lento está escrito en forma rondó y en la tonalidad de mi bemol mayor.3 Su carácter es elegante y tranquilo, proporcionando un fuerte contraste con el primer y el tercer movimiento. El grupo temático principal, o sujeto A, se extiende en los siete primeros compases. La forma global del movimiento es ABACA, con una coda al final desde el compás 47 al 57.

III. Allegro assai
El tercer movimiento retoma el carácter dramático del primero. Está escrito en forma rondó-sonata.3 El primer grupo temático en la tónica es bastante largo, y aparece por primera vez entre los primeros 44 compases del movimiento, para enlazar con el segundo grupo temático en mi bemol mayor, que aparece entre los compases 46 y 96. El grupo temático principal regresa, aunque incompleto desde el compás 103 hasta el 145, y también provee de un nexo a la siguiente sección. Esta sección, en forma sonata, podría llamarse desarrollo; sin embargo, es bastante breve, extendiéndose solamente entre los compases 146 y 166, pudiendo llamarse simplemente "episodio".
El episodio conduce a la reexposición que, en lugar de comenzar con el primer tema, comienza con el segundo grupo temático modificado en la tónica. A continuación, el primer grupo temático regresa y reaparecen fragmentos del episodio entre los compases 275 y 287, tras lo cual aparece una coda que cierra la pieza entre los compases 288 y 319. El movimiento concluye con dos acordes dramáticos.

Relación de la fantasía con la sonata
La Fantasía en do menor, KV 475, fue completada unos siete meses antes que la sonata en do menor. Mozart apuntó la fecha de término como 20 de mayo de 1785 en su catálogo personal de obras. Los especialistas no están de acuerdo en si Mozart trató o no de interpretar las dos juntas. Aunque se publicaron juntas con el mismo número de opus, Mozart interpretó en alguna ocasión ambas obras por separado.
La fantasía tiene por naturaleza un carácter más improvisatorio que la subsecuente sonata, y el par presenta una correlación clásica a la combinación barroca de fantasía y fuga. La fantasía y la sonata están unidas por un foco en el registro de los bajos y por las octavas en la clave de fa.2 Se ha sugerido que los estilos tanto de Muzio Clementi como de Carl Philipp Emanuel Bach influyeron en la composición de la fantasía, aunque no se sabe si consciente o inconscientemente.

Trascendencia de la tonalidad
La Sonata para piano n.º 14 en do menor es una de las dos sonatas que Mozart compuso en el modo menor, siéndola otra la gran Sonata para piano n.º 8 en la menor, KV 310, que fue escrita seis años antes, aproximadamente en la época de la muerte de la madre de Mozart. Mozart fue extremadamente intencionado en la elección de las tonalidades para sus composiciones; por tanto, el hecho de haber escogido do menor para esta sonata implica que esta pieza era quizá una obra muy personal.

 

Miserere du Trovatore de Verdi, S.433, arr. Para piano de Franz Liszt

Las óperas de Verdi proporcionaron a Liszt muchas ideas para fantasías operísticas, y las Paráfrasis de concierto sobre Ernani, Il Trovatore y Rigoletto se encuentran entre las mejores de Liszt. Se publicaron como un conjunto, aunque el editor logró no imprimirlos en el orden especificado por Liszt, que es el que se observa aquí. Liszt ya había producido otra fantasía sobre temas de Ernani que incluye material similar, pero se negó a publicarla y reelaboró parte de ella en la pieza grabada aquí. Al llamar a estas tres piezas paráfrasis, en lugar de fantasías o transcripciones, Liszt pretende transmitir la idea de tomar una sección específica de una ópera, presentándola en términos muy pianísticos manteniendo las líneas generales del original. Así, la paráfrasis de Ernani se limita al final del Acto III (el aria y el coro del Rey de España en la tumba de Carlomagno), la paráfrasis de Trovatore es sobre el dúo del Acto IV entre Leonora y el condenado Manrico, con el coro acompañante cantando el Miserere (que se deriva lejanamente de la apertura del Miserere de Allegri), y la justamente famosa paráfrasis de Rigoletto es simplemente una asombrosa recreación del cuarteto entre Rigoletto, Gilda, el Duque y Maddalena en el Acto IV.

 

An die ferne Geliebte op. 98 de Beethoven, arr. Para piano de Franz Liszt

En su transcripción del ciclo de canciones de Beethoven "Al amado lejano", Liszt se permite muy pocas libertades, pero de vez en cuando omite partes repetidas de la melodía para resaltar el variado acompañamiento. Los cantos se suceden y, como en el poema de Aloys Jeitteles, el último verso del primer canto se recuerda en el último verso del sexto: (i) El poeta se sienta en la colina, mira a lo lejos y le canta a su amada; (ii) Él desea estar entre las montañas azules en la niebla para evitar el dolor de la separación; (iii) Pide a las pequeñas nubes que navegan que transmitan su amor y describan sus lágrimas; (iv) Quiere que las nubes lo transporten para que él pueda compartir la alegría del viento susurrando en su cabello; (v) Mayo ha vuelto uniendo toda la naturaleza excepto el poeta y su amor; (vi) El poeta le pide a su amor que tome las canciones en la calma del crepúsculo y las cante a cambio para que lo que ha bendecido un corazón amoroso llegue a un corazón amoroso.

 

Adelaide op. 46 de Beethoven, S. 466, arr. Para piano de Franz Liszt

El título lo dice todo, realmente: la segunda edición de esta transcripción sigue a la primera, casi inalterada, hasta el final del Larghetto, pero luego sigue una vasta meditación original sobre la canción de Beethoven, similar en forma e intención a la cadencia opcional en la versión final pero con algunas armonías marcadamente diferentes. La elaboración del Allegro final también es similar a la primera versión, pero hacia el final hay una nueva reminiscencia del material anterior con referencia a la cadencia, y la coda se amplía (como la primera transcripción de Liszt del Ave María de Schubert) con un pasaje marcado como 'religioso'. Las bellezas de estas últimas adiciones pueden permitir que se perdone la abrumadora mayoría de ellas en relación con la canción original, pero la posterior eliminación de ellas por parte de Liszt es igualmente comprensible.

 

Réminiscences de Don Juan (Grande fantaisie), S.418 de Franz Liszt

Réminiscences de Don Juan (S. 418) es una ópera fantástica para piano compuesta por Franz Liszt sobre temas de la ópera Don Giovanni de Mozart de 1787. Es extremadamente exigente desde el punto de vista técnico y se considera una de las obras más exigentes de Liszt y de todo el repertorio. Por esta razón, y quizás también por su longitud e intensidad dramática, no aparece en programas de conciertos con tanta frecuencia como las piezas más ligeras y populares de Liszt. Como dice Ferruccio Busoni en el prefacio de su edición de 1918 de la obra, las Réminiscences tienen "un significado casi simbólico como el punto más alto del pianismo". Liszt escribió la obra en 1841 y publicó una versión para dos pianos (S. 656) en 1877. La versión de dos pianos tiene un gran parecido estructural con el original.

La pieza comienza con música cantada por el Il Commendatore, ambos de la escena del cementerio donde amenaza a Don Giovanni ("Di rider finirai pria dell'aurora! Ribaldo audace! Lascia a 'morti la pace!" — "¡Terminarás antes del amanecer! ¡Audaz obsceno! ¡Dejad la paz a los muertos!") y del final donde condena a Don Giovanni al infierno . Sigue el dueto de amor de Don Giovanni y Zerlina (" Là ci darem la mano "), junto con dos variaciones sobre este tema, luego una fantasía extendida sobre el aria de Champagne (" Fin ch'han dal vino "), y finalmente la obra concluye con la amenaza del Il Commendatore.
En contraste con quizás la mayoría de las fantasías de ópera compuestas durante el siglo XIX, la paráfrasis de Don Giovanni de Liszt es una obra mucho más controlada y significativa. Donde la transcripción de ópera estándar es simplemente una colección de melodías famosas.

Las mejores fantasías de la ópera [de Liszt] ... son mucho más que eso: yuxtaponen diferentes partes de la ópera de maneras que resaltan un nuevo significado, mientras que el sentido dramático original del número individual y su lugar dentro de la ópera nunca es fuera de vista.

A lo largo de la obra, las Réminiscences imponen al pianista una gran cantidad de exigencias técnicas avanzadas, entre ellas pasajes en tercios cromáticos, numerosas décimas y una instancia de rápidos saltos en ambas manos en casi todo el ancho del teclado que, en las palabras de Heinrich Neuhaus, "con la excepción de Ginzburg, probablemente nadie más que la pianola tocó sin errores".

Fue la pieza final del concierto de graduación de Horowitz en el conservatorio de Kiev; al final todos los profesores se pusieron de pie para expresar su aprobación. Horowitz, después de afirmar a Backhaus que la pieza de piano más difícil que jamás tocó fueron Feux-follets de Liszt sin dudarlo, agregó que Réminiscences de Don Juan tampoco es una pieza fácil. Horowitz lo tenía en sus programas de conciertos, así como en la Liszt Sonata, que no se tocaba a menudo en ese momento, en sus primeros años en Europa.

Alexandr Skriabin se lastimó la mano derecha al practicar demasiado esta pieza, lo que llevó a una indisposición de la mano, terminando así la carrera de pianista virtuoso, debido a eso escribió la marcha fúnebre de su Primera Sonata para piano en memoria de su mano dañada.

Entre las celebradas grabaciones de las Réminiscences se encuentran las de Jorge Bolet, Earl Wild, Simon Barere, Grigory Ginzburg, Louis Kentner, Charles Rosen, Leslie Howard y Leo Sirota . Marc-André Hamelin, Valentina Lisitsa, Matthew Cameron, Min Kwon y Lang Lang han grabado versiones más recientes.

 

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