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Hector Guzmán, director titular. Ganador concurso OFJ.
Gergely Bogányi, piano

"30 Aniversario del restablecimiento de las relaciones
diplomáticas entre Hungría y México"

Viernes 14, Teatro Degollado

Programa

Orquesta Filarmónica de Jalisco

Por iniciativa del Maestro José Rolón, en el año de 1915, un grupo de músicos jaliscienses comenzó a ofrecer al público de Guadalajara, audiciones de cámara y sinfónicas, estableciendo el punto de partida para la que , en el futuro, sería la Orquesta Sinfónica de Guadalajara. Entre 1915-1924, la Orquesta fue manejada por la Sociedad de Conciertos, que funcionaba mediante una mesa directiva, recibiendo apoyo económico de la iniciativa privada y una subvención del Gobierno Estatal; esta fue suspendida en 1923, resultando en la disolución del organismo. Los músicos, sin embargo, siguieron trabajando para impedir que la Orquesta desapareciera, y lograron que el Gobernador José Guadalupe Zuno brindara apoyo económico; debe mencionarse la dedicación que Don Pedro González Peña tuvo para la Orquesta, hasta el 1939.

En febrero de 1942, cuando Guadalajara celebraba el 4º centenario de su fundación, paseaba por la ciudad el Maestro. Leslie Hodge , quien escuchó interpretar varias piezas clásicas a algunos músicos, se les acercó con ánimo de conocerlos y al tiempo los alentó a formar una orquesta. Se le invitó a organizarla y dirigirla. Sus compromisos se lo impedían en ese momento, pero prometió venir una vez concluida la Segunda Guerra. Así la Asociación de Amigos de la Música solicitó al Gobernador Marcelino García Barragán que garantizara la permanencia de la orquesta, en vista del ofrecimiento del Maestro Hodge, quien se convirtió el primer director de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara. Este patrocinio se mantuvo hasta 1950, en el que se formó Conciertos Guadalajara A.C., que se encargó de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara con subvenciones económicas de los gobiernos estatal y municipal, así como de la iniciativa privada.

En 1971 la Orquesta Sinfónica de Guadalajara pasó a ser un organismo del Departamento de Bellas Artes del Estado de Jalisco, que desde entonces la manejó artística y económicamente.

Reconocida como una orquesta dúctil y de versatilidad por los directores que trabajaron con ella, la Orquesta Sinfónica de Guadalajara tuvo un promedio de 60 presentaciones al año, entre conciertos, ópera y ballet, dirigida por figuras como Leslie Hodge, Abel Eisemberg, Helmut Goldman, Eduardo Mata, Kenneth Klein, Hugo Jan Huss, Francisco Orozco, Manuel de Elías, José Guadalupe Flores, Guillermo Salvador y Luis Herrera de la Fuente. Participaron como solistas Paul Badura-Skoda, Claudio Arrau, Jörg Demus, Henryk Szeryng, Plácido Domingo, Alfred Brendel, Bernard Flavigny, Jean Pierre Rampal y Narciso Yepez, entre otros.

En 1988 la Orquesta Sinfónica de Guadalajara cambia de nombre, con lo que nace la Filarmónica de Jalisco. La intención era que su utilidad sinfónica se extendiera a todo el Estado. Esta organización ha sido integrada en base a una estricta audición de atrilistas aspirantes, cuya selección garantiza la homogeneidad sonora del rendimiento técnico de sus miembros. Esto nos permite considerar que la Orquesta Filarmónica de Jalisco pueda afrontar con gallardía y decoro todo tipo de repertorio, incluidas las obras más ambiciosas de los últimos años.

Héctor Guzmán
Director

Héctor Guzmán es reconocido internacionalmente como uno de los músicos mexicanos más sobresalientes en la actualidad. Sus actuaciones como director al frente de las orquestas más importantes de México: Filarmónica de la UNAM, Sinfónica de Xalapa, Filarmónica de Jalisco, Sinfónica del Estado de México, Sinfónica de Monterrey, Sociedad Filarmónica, así como las orquestas de San Antonio, Dallas, Tyler y San Angelo, en los Estados Unidos, y la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana, han sido aclamadas por el público y la crítica.

En 1997 hizo su debut en Europa, al frente de la Collegium Orchestra de Praga, en la República Checa, y su debut en 1999 con la Filarmónica de Japón y el violinista Motoi Takeda, fue catalogado como uno de los “diez mejores conciertos del año” por la crítica japonesa. En el 2001 regresó a Japón para dirigir otra serie de conciertos, y ha sido invitado nuevamente para dirigir la misma orquesta en el 2003. Héctor Guzmán ocupa el puesto de director musical de tres orquestas profesionales en los Estados Unidos: Irving Symphony Orchestra, Plano Symphony Orchestra y, a partir de junio del 2002, de la San Angelo Symphony Orchestra.

Nacido en Fresnillo, Zac., estudió en el Conservatorio Nacional de Música de la ciudad de México, y posteriormente en la Southern Methodist University y la University of North Texas. Durante su brillante trayectoria en estas instituciones, fue nombrado “Valor Nacional Juvenil” por el gobierno de México y ganador en México del concurso nacional “Manuel M. Ponce”, y en los Estados Unidos, de los concursos de solistas de la Universidad de North Texas y la Universidad Metodista del Sur. En 1978 obtuvo para México el segundo lugar en el concurso de órgano de más prestigio en el mundo: el “Grand Prix de Chartres”, celebrado en Francia, siendo sus maestros Víctor Urbán y Robert Anderson.

Sus maestros de dirección orquestal incluyen a grandes figuras tales como Anshel Brusilow (Philadelphia Orchestra), Helmuth Rilling (Universidad de Oregon), Carlo Maria Giulini (Accademia Musicale Chigiana, Siena, Italia) y su gran amigo y maestro: Eduardo Mata.

En reconocimiento a su destacada labor a nivel musical, Héctor Guzmán ha sido honrado con premios tales como la “Lira de Oro”, otorgada por el sindicato de Músicos de México; los premios “Meadows Fellowship” en Dallas y “Director per Excellence”, otorgado por el Instituto Tecnológico De Vry. Desde 1980 es miembro de la Sociedad Musical de Honor de los Estados Unidos, y en el año 2000 fue incluido en “Grandes Músicos del siglo XX”, publicación editada por el Instituto Biográfico Internacional en Cambridge, Inglaterra.

Gergely Bogányi
Piano

Nacido en 1974 en Vác, Hungría, Gergely Bogányi comenzó a estudiar piano a los cuatro años de edad; dos años más tarde ganó un premio especial en la Competencia Nacional de Piano en Nyiregyháza, y a nadie sorprendió que tres años después conquistara el primer premio en este mismo concurso.

Bogányi ha estudiado en la Academia Liszt en Hungría, con Zsuzsa Esztó y Laszlo Barányi; en la Academia Sibelius, con el profesor Matti Raekallio, y en la norteamericana Universidad de Indiana, con el profesor Gyorgy Sebök. También ha participado en varias clases para maestros, con Annie Fischer y Ferenc Rados.

Gergely Bogányi se ha hecho acreedor a varios premios nacionales e internacionales: el tercer lugar en Ettlingen, Alemania, en 1990; el segundo premio en Epinal, Francia, en 1991 -donde fue el competidor más joven-; el primer premio en la Competencia Chopin en Budapest, en 1993, y en el mismo año ganó el primer lugar en la Competencia Mozart, en Budapest. Tres veces conquistó el primer lugar en las competencias de Helmi Vesa en 1989, 1900 y 1991, e hilvanó el premio principal en la Franz Liszt en Budapest, en el otoño de 1996.

También toca música de cámara en el trío Bogányi-Kelemen (Barnabas Kelemen, violín; Yibor Boganyi, cello, y Gergely Bogányi, piano), que conquistó el primer premio de la Competencia Internacional de Música de Cámara en Kuhmo, Finlandia, en julio de 1999.

Bogányi recibió el premio más importante de su tierra natal, el Ciudadano Honorario de Vác, a la excepcionalmente temprana edad de 22 años. En la primavera de 2000 le fue otorgado el premio Gramofon por “El Mejor Evento Musical y el Mejor Músico de Hungría”, por una serie de recitales que incluyeron los trabajos completos de Chopin.
Gergely ha sido invitado a tocar como solista con numerosas orquestas de Europa, así como a ofrecer recitales en festivales y famosos salones de concierto alrededor del mundo. En marzo de este año fue solista con la Filarmónica de Viena y en abril debutó junto con el violinista húngaro Barnabas Kelemen en Carnegie Hall de Nueva York.

Su discografía incluye conciertos de Mozart, Chopin y Liszt para piano, sonatas de Chopin y Rachmaninov para cello y piano, y la obra completa de Liszt para violín y piano.

Críticas:

“Ojalá pronto volvamos a escuchar a Bogányi. Más que un “buen pianista”, es uno de los más grandes artistas que hemos tenido la oportunidad de aquilatar en años recientes”.

Lázaro Azar, periódico Reforma, México, D.F., 9 de junio del 2003.

“Gergely Bogányi, pianista de virtudes en la cúspide”.

Francisco Arvizu Hungues, periódico El Informador
Guadalajara, Jal., 8 de junio del 2003.

“Una vez más, volví a escuchar comentarios de que Bogányi era “la reencarnación del mismísimo Liszt”, y cosas por el estilo. No soy de quienes creen en esas cosas, pero sí puedo afirmarles que al igual que aquél, Bogányi posee una técnica ilimitada, una musicalidad fuera de discusión y una personalidad arrolladora que propició que al dar la última nota del Rachmaninoff, todo el público se parara como electrificado de sus asientos a ovacionarlo”.

Lázaro Anzar, periódico Reforma, México, D.F., 11 de junio del 2003.

Jorge Rivero
Oboe

Nació en la Habana, Cuba. Se graduó en la Escuela Nacional de Artes de Cuba. Cursó su postgrado en Francia, en el Conservatoire National de Région de Rueil Malmaison de París, donde obtuvo el Premio de Excelencia el más alto Grado Académico otorgado en Francia, siendo presidente del jurado Pièrre Pierlot.

Críticas y Comentarios:

"Es capaz de hacer trascendental lo simple....."

Carmine Ford Coopola.

"Su excepcionalidad tiene nombre: virtuoso; término musical por excelencia que denota talento, capacidad extraordinaria, dominio técnico, profundidad estilística, precisión en el fraseo y refinado gusto en la manera de hacer de la música algo propio y a la vez universal."

Leo Brower.

"Sin duda, Jorge Rivero es un importante personaje de la música cubana de hoy. Ha realizado minuciosas investigaciones, en particular sobre lo que se refiere a la ornamentación en la música barroca, materia en la que es autoridad reconocida internacionalmente."

Juan A. Brennan.

"Qué concierto tan hermoso ofreció la Orquesta Sinfónica Morelia 460 y con qué gusto, sentido y emoción dirigió el maestro Jorge Rivero."

Francisco López Guido.

Como Solista (Oboe, Oboe de Amor, Corno Inglés), se ha presentado en escenarios de primera línea de: Alemania, Antigua Unión Soviética, Francia, España, Bulgaria, Yugoslavia, República Checa, República Eslovaca, Polonia, México, Estados Unidos, Nicaragua y Cuba.

Ha participado en importantes Festivales Internacionales como el de Handel, en Halle, Alemania; el Festival Internacional de Koshice, en Bratislava, Eslovaquia; el Festival de Verano en Varna, Bulgaria; el Festival Internacional Cervantino en Guanajuato, México; el Festival Internacional de Música de Morelia, México; Festival Del Centro Histórico de la Ciudad de México en el Palacio de Bellas Artes; el Festival del Caribe, en Cancún, México.

Como Director de Orquesta Es el Director General de la Orquesta Sinfónica de Camaguey, Cuba. Se ha presentado en las salas más importantes de México y Cuba. Ha dirigido la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez; la Orquesta de Cámara de la U:M:S:N.H ; la Orquesta Sinfónica de Matanzas. Es el Director de la Orquesta de Cámara Concertante (México) y de la Orquesta Sinfónica Morelia 460.

Ha trabajado más de 30 años como Oboísta Principal de diferentes Orquestas: Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba; Orquesta de la Opera y Ballet Nacional de Cuba; Orquesta Sinfónica Nacional de México; Orquesta Sinfónica de Querétaro; The Miami Beach Community Symphony Orchestra; The Florida International Unilversity Orchestra; Orquesta Sinfónica de Michoacán; Orquesta Sinfónica de Jalapa; Orquesta de Cámara de Bellas Artes; Orquesta Sinfónica de Aguascalientes.

Dentro de su actividad como Docente ha sido Profesor Titular de las Cátedras de Oboe y Música de Cámara de: la Escuela Nacional de Arte de Cuba; del Conservatorio Nacional de Música Amadeo Roldan (Cuba); de la Escuela de Música del Conjunto Cultural Ollín Yoliztly (México); de la Escuela de Iniciación a la Música, perteneciente al Conjunto Cultural Ollín Yoliztly (México); de la Florida International University (U:S:A); Actualmente es profesor del Conservatorio de las Rosas en Morelia, Mich. (México); de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo en Morelia, Mich. (México); Profesor invitado del Instituto Superior de Arte de Cuba.
Ha dictado Conferencias Magistrales en el New World Schools of Arts. Florida (U.S.A); en el Festival Internacional de Música de Morelia (México); en el Centro Nacional de la Música de Concierto (Cuba).

Actualmente

Colabora como maestro en el Sistema de Fomento Musical de CONACULTA con la Orquesta Sinfónica Infantil de México y con la Coordinación Nacional de Bandas.

Es asesor del Viceministro de Cultura de Cuba Abel Acosta.

Entre sus Reconocimientos se encuentran:

Primer Premio de Excelencia otorgado por el Conservatoire National de Région de Rueil-Malmaison de París (Francia 1988).

Premio EGREM a Virtuoso como el Mejor Disco en la categoría "Música de Concierto".

Premio EGREM a Virtuoso por Primer lugar en ventas, como el disco más vendido en el Mercado Internacional (Cuba 1988).

Primer Lugar en el Concurso Nacional de Oboe (Cuba 1972).

Grabaciones y Producción Discográfica

Ha realizado numerosas grabaciones para cine radio y televisión. Como artista invitado ha grabado con: Chucho Váldez; Arturo Sandoval; Paquito de Rivera; Silvio Rodríguez; Pablo Milanés. En el CD de MUSICA MEXICANA Y ALGO MAS, En el CD de MEXICO DEL SIGLO XX; entre otros.

PRODUCCION DISCOGRAFICA PERSONAL
COMO OBOISTA
VIRTUOSO con obras de Marcello, Vivaldi, Gluck; VIRTUOSO II con obras de Pasculli, Bellini, Hummel y Vivaldi. TRIBUTO con obras de Piazzola, Brower, Nielsen, Mendelson, Rachmaninov, Chopin, Bach, Fernández, Allen.
COMO DIRECTOR DE ORQUESTA: Ha grabado 9 CD en Vivo.

Otras Actividades Profesionales desempeñadas

• Asesor Cultural del H. Ayuntamiento de Morelia Mich.
• Coordinador de Licenciatura del Conservatorio de las Rosas.
• Director de la Escuela de Música Vida y Movimiento del Conjunto Cultural Ollín Yoliztly.
• Miembro del Consejo Asesor del Ministro de Cultura de Cuba Armando Hart Dávalos.
• Asesor Nacional de Oboe de las Escuelas de Arte en Cuba.
• Miembro del Consejo de Dirección de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba.
• Presidente del Consejo Técnico Artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba.
• Director del Quinteto de Alientos de la Sinfónica Nacional de Cuba.
• Miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba.
• Integrante del grupo instrumental de Música de Vanguardia Nuestro Tiempo.
  

Notas al Programa

La italiana en Argel, obertura en do mayor de Rossini

El año 1813 iba a ser especialmente venturoso para Rossini. Su ópera Tancredo se estrena en el Teatro de la Fenice de Venecia, el 6 de febrero, durante las fiestas de Carnaval. Unas semanas más tarde, el 22 de mayo, otra vez en Venecia, esta vez en el San Benedetto, tiene lugar la primera representación de “La italiana en Argel”, ópera bufa en dos actos, gracias a la cual el músico vuelve resueltamente la espalda a la antigua ópera italiana. Un sentido innato de las situaciones teatrales y de su explotación musical, una instrumentación cuyo brillo sólo iguala su refinamiento, son lo mejor de este Rossini, tanto en las arias y los maravillosos conjuntos, como en la célebre obertura.

Ésta comienza con un corto Andante en ¾ murmurado por la cuerda en pizzicato y una ligera melodía del óboe, antes de que, con acentos entrecortados, el ritmo se precipite y los óboes y los clarinetes nos lleven hasta el Allegro en 4/4, ejecutado a tambor batiente por los violines. Es otra vez el óboe el que canta una nueva melodía en sol, respondido por la flauta. Después, en una pequeña frase ascendente y una fórmula que se repite, comienza uno de los más vigorosos crescendos típicos de las composiciones rossinianas. En la segunda parte, el tema principal, -confiado a la flauta, al óboe y al clarinete-, se viste con nuevos colores gracias a las modulaciones que lo hacen más dramático. Son la flauta y el fagot los que se adueñan del segundo tema; el óboe les responde antes de que de nuevo se lance el crescendo… ¿Qué más decir? La sencillez melódica y la eficacia dramática no cesan de asombrarnos, y el sabor y los colores instrumentales –sobre todo el riquísimo de los instrumentos de viento, madera y metal -son verdadero encanto.

Concierto para piano y orquesta número 2, en fa menor (opus 21), de Federico Chopin

Dedicado a la condesa Delphine Potocka, fue escrito antes que el primer concierto (ha sido su tardía publicación lo que ha hecho que se clasifique como segundo) y se terminó al final del invierno de 1829, estrenándose, tocado por el propio compositor, el 17 de marzo de 1839 en Varsovia. Es, en conjunto, de acento más dramático que el “Concierto en mi menor”.

Efectivos orquestales: la madera a dos, dos trompas, dos trompetas, un trombón, timbales y la cuerda. Duración media de la ejecución: de treinta y dos a treinta y cuatro minutos, o sea, cinco o siete minutos menos que le primer concierto.

Los tres movimientos son: Maestoso, Larghetto y Allegro vivace.

1.- Maestoso: introducción orquestal (corrientemente amputada en bastantes compases) que enumera los temas, primero en un movimiento moderado, más tarde enérgico, sincopado, con un corto motivo enunciado líricamente por la madera, sobre todo lo cual aparece el plano, ardiente, fastuoso, con la exposición del primer tema, que despliega en cinco octavas. El segundo tema, más “sentimental”, está ornamentado virtuosamente. Hay un importante desarrollo, con intervenciones marcadas de la orquesta (más que en el Concierto número 1) que aseguran el dinamismo del discurso, el relanzamiento de los temas y diversas modulaciones. El solista, sin embargo, está siempre muy presente, con un impulso virtuoso sin tregua. Una breve conclusión repite la cabeza del motivo principal.

2.- Larghetto (en la bemol mayor): secretamente dedicado, como el movimiento lento del primer concierto, a la joven Konstanze Gladowska. Y, como el primer Concierto, una larga cantilena a la italiana en la que se distinguen las tres estrofas de un “recitativo” del solista. Entrada de éste después de unos compases cadenciales de la orquesta, que instauran un clima de intimidad. Limpidez de la confidencia amorosa realizada en delicados arabescos. Transición hacia el episodio central –segunda estrofa- de un carácter apasionado, sobre el trémolo precipitado de la cuerda y la sombría declamación de los bajos, con interjecciones más luminosas de la madera y el calor y la vehemencia del piano. Hay un breve discurso con los acordes introductivos de la orquesta, sobre una lenta ascensión del solista en notas perladas… Grandes admiradores de este Larghetto, Schumann y Liszt. Este último hará de eco de él en el movimiento lento de su propio Concierto en mi bemol mayor.

3.- Allegro vivace: vuelta a fa menor, tono más dramático, aunque conservando la elegancia sutil de la inspiración “folclórica” del músico. El primer tema es de una ligereza de vals; el segundo, más afirmado, scherzando, adopta el ritmo característico.

Le acompañan los violines col legno, junto a vigorosos grupos de cuatro notas. Vuelve el tema antecedente a través de las ornamentaciones pianísticas y una señal de las trompas precede a la stretta final, con una cadencia acompañada del piano en dobles trinos y los últimos acordes en un alegre fa mayor.

Johann Nepomuk Hummel

Nació en Presbourg el 14 de noviembre de 1778, y murió en Weimar el 17 de octubre de 1837. Niño prodigio, fue primero alumno de su padre, después de Mozart, de Albreschtsberger y de Salieri. Dio su primer concierto a los nueve años y partió a continuación con su padre para realizar una larga gira. Llegó a tener una reputación envidiable como pianista. De 1804 a 1811 ocupó el puesto de Kapellmeister del príncipe de Eszterhazy en Eisenstadt antes de cumplir las mismas funciones en Stuttgart y en Weimar, sin dejar de ser uno de los instrumentistas más conocidos de su época. Sus alumnos fueron Czerny, Hiller, Mendelssohn y Thalberg, entre otros. Pero Hummel ha caído hoy en el olvido. Sin embargo, como compositor dejó una obra importante (cinco misas, cinco óperas, seis ballets) de la que una gran parte está dedicada al piano y que sería necesario redescubrir, especialmente los siete conciertos.

Bolero, para orquesta, de Maurice Ravel

Nomenclatura orquestal: dos flautas y un flautín, dos oboes (el segundo toca el oboe de amor), un corno inglés, un pequeño clarinete en mi bemol, dos clarinetes en si bemol, un clarinete bajo en si bemol, dos fagots, un contrafagot, cuatro trompas en fa, una pequeña trompeta en re, tres trompetas en do, tres trombones, una tuba, un saxofón sopranino en fa, un saxofón soprano en si bemol, un saxofón tenor en si bemol, tres timbales, dos tambores, címbalos, tam-tam, celesta, arpa y quinteto de cuerda.

En 1927 la danzarina Ida Rubinstein, futura creadora de “La Valse”, le pidió a Ravel que orquestara para un futuro ballet algunas páginas de Albéniz. Como otro músico había ya emprendido este trabajo, Ravel decidió componer una nueva obra y escogió un bolero, atraído, parece ser, por el ritmo repetitivo hasta llegar a la obsesión que tiene esta danza y por su sencillez melódica. La danza y España volvían a encontrarse reunidas una vez más en la obra de Ravel.

Gustave Samazeuilh nos ha hablado de las reflexiones que inspiraba al compositor el tema que había esbozado: “¿No cree usted que este tema tiene mucha insistencia? Voy a intentar repetirlo una buena cantidad de veces sin ningún desarrollo, graduando lo mejor posible la orquestación”. En una carta a Calvocoressi, publicada por el “Daily Telegraph” el 16 de julio de 1931, Ravel puntualiza, a propósito de esta composición que le había valido la gloria en todo el mundo: “Deseo enormemente que no haya confusiones con respecto a mi “Bolero”. Es una experiencia en una dirección muy especial y muy limitada, y no debería suscitar la sospecha de que intenta otra caos que lo que intenta. Antes de la primera representación hice publicar una advertencia, precisando que había escrito una pieza de diecisiete minutos que consistía únicamente en un tejido orquestal sin música, un largo y progresivo crescendo”.

No hay duda de que la noche del estreno por Ida Rubinstein (con una coreografía de Bronislava Nijinska y la orquesta dirigida por Walter Straram), los habituales de la Ópera de París se quedaron un poco sorprendidos, hasta el punto que una de las espectadoras gritó: “¡Está loco!”, (lo cual, según el propio Ravel, probaba que al menos ella “había comprendido”) . El público de la Ópera, ¿pensaba ese 22 de noviembre que estaba asistiendo al nacimiento de una de las páginas más célebres de la literatura orquestal del siglo XX? El 11 de enero de 1930, en los Conciertos Lamoureux, el compositor dirigía en persona una obra en la que, en principio, él no creía. En este aspecto la historia no le ha dado la razón: tanto en concierto como en teatro (la coreografía de Maurice Bejart ha marcado la postguerra), el “Bolero” desafía al tiempo

Patronato de la Orquesta Filarmónica de Jalisco

Presidente
Ernesto Ramírez Godoy

Vicepresidente
Guillermo Romo de la Peña

Vicepresidente
Alejandro Elizalde Gutiérrez

Secretario
Pablo Lemus Navarro

Tesorero
Jorge de Jesús Montes Guerra

Miguel Ángel Amutio de Diego
Lourdes de Villa de Elizalde
Alberto Fernández Aldrete
Gemma Garciarce Monraz
Alejandro Gómez César
Miguel Angel González A.
Jorge Gutiérrez Topete
Luis Enrique Hernández Romo
Adolfo Horn
Jorge López de Lara
Alejandro Martínez Pardo
Luis de la Peña
José Pérez Ramírez
Víctor Sánchez Larrauri
Víctor Sarquis
Paul von Schreiber
Hugo Villa Manzo

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