Concierto para violonchelo y orquesta n.º 1 en Do mayor, Hob. VII B1 de Joseph Haydn (1732 - 1809)

Intermedio

Transcripciones para orquesta de Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
- Aria para la cuerda de sol
- Tocata y fuga en re menor BWV 565 Transcripcion Leopold Stokowski
- Preludio y fuga en Mi bemol mayor (St Anne) BWV 565 transcripción de Arnold Schoenberg

Notas al programa

Concierto para violoncello y orquesta No. 1 en do mayor, Hob. VIIb: 1
Franz Joseph Haydn

Duración aproximada: 25-28 minutos.
El Concierto para violonchelo y orquesta n.º 1 en do mayor, Hob. VII B1. Si bien no se conoce con exactitud la fecha de creación del Primer concierto para violoncello, los musicólogos suponen que data entre 1961 y 1765, y que quizá fue escrito por Haydn para Joseph Weigl, el primer violoncello de la orquesta de Esterházy que dirigía Haydn. Este concierto se creía perdido hasta una fecha tan reciente como 1961,[] cuando apareció en el Museo Nacional de Praga, entre diversos documentos pertenecientes al Castillo Radenin.
Como en otras obras compuestas para Weigl, se le exige al solista un gran virtuosismo. Las cadencias del primer y segundo movimientos no son originales del compositor; normalmente, el chelista toca cadencias de compositores anónimos del siglo XVIII u otras compuestas después de 1961.
La orquestación del concierto es muy transparente, ya que está concebida para dos oboes, dos cornos y cuerdas. En el primer movimiento del concierto se aprecia un estilo noble y cortesano, sazonado con interesantes síncopas. En el segundo movimiento destaca el silencio de los oboes y los cornos, que dejan el campo libre para el diálogo entre el violoncello solista y las cuerdas. El movimiento final del Concierto Hob. VIIb: 1 está lleno de despliegues técnicos para el solista, así como difíciles pasajes en el registro agudo del instrumento. De especial interés en este movimiento es el empleo que Haydn hace del recurso formal del rondó-ritornello, a la manera de los conciertos de Antonio Vivaldi (1678-1741), pero adaptado a sus propios conceptos.

Movimientos:
Moderato
Adagio
Finale: Molto allegro

Transcripciones para orquesta de Johann Sebastian Bach
- Aria para la cuerda de sol

Johann Sebastian Bach (1685-1750) escribió sus cuatro suites orquestales en Leipzig. La Tercera Suite, en Re mayor, fue probablemente estrenada en uno de los conciertos del Collegium Musicum de Bach en el Coffee House de Zimmermann en 1730 o 1731. Un siglo y medio después, el violinista alemán August Wilhelmj arregló el segundo movimiento de la Suite, un Aire flotante sereno, para violín solista y cuerdas (o teclado). Lo transpuso a Do mayor, y marcó la parte solista "auf der G-Saite" (en la cuerda sol, como un apasionado y expresivo tour-de-force), dándole inadvertidamente el nombre que ha soportado popularmente desde entonces. Esta fue también, según se informa, la primera obra de Bach jamás grabada, y de un violonchelista - Aleksandr Verzhbilovich - en 1902.

- Tocata y fuga en re menor BWV 565 Transcripcion Leopold Stokowski

Es una pieza de música de órgano compuesta, según sus fuentes más antiguas, por Johann Sebastian Bach. Se trata de una de las obras más famosas del repertorio de órgano.

La versión de Leopold Stokowski es una célebre orquestación para orquesta sinfónica, destacando por su dramatismo y uso en medios populares como la película "Fantasia", transformando la obra barroca para la sonoridad moderna y generando debate entre puristas y admiradores, siendo una de las transcripciones más conocidas de la música de Bach. La Toccata y Fuga en Re menor, BWV 565, es una famosa pieza para órgano de Bach, pero la versión de Leopold Stokowski es una célebre orquestación para orquesta sinfónica, destacando por su dramatismo y uso en medios populares como la película "Fantasia", transformando la obra barroca para la sonoridad moderna y generando debate entre puristas y admiradores, siendo una de las transcripciones más conocidas de la música de Bach.

Leopold Stokowski (1882-1977), director de orquesta, realizó esta adaptación para orquesta completa, incluyendo cuerdas, vientos (flautas, oboes, clarinetes, fagotes), metales (cornos, trompetas, trombones, tuba), percusión (timbales), arpas y celesta.

Como prólogo a la orquestación de la Toccata y Fuga, Stokowski escribió:

“De toda la música de Bach, esta Toccata y Fuga se encuentra entre las piezas más libres en cuanto a forma y expresión. Bach tenía el hábito de improvisar en el órgano y el clave y esta Toccata probablemente se inició como una improvisación en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig. En esta iglesia enorme, angosta, elevada, las armonías atronadoras deben haber resonado larga y tempestuosamente porque la música tiene una potencia y una majestuosidad cósmica. Sus principales características son una inmensa variedad de ritmo y la plasticidad de la melodía. En la secuencia de armonía es audaz e innovadora. Su arquitectura tonal es irregular y asimétrica. De todas las creaciones de Bach, esta es la más original. Su inspiración fluye incesante. El espíritu es universal, de modo que siempre será contemporánea y transmitirá un mensaje directo a todos los hombres.”

- Preludio y fuga en Mi bemol mayor (St Anne) BWV 552 transcripción de Arnold Schoenberg

En 1739, J. S. Bach publicó el Clavier-Übung III , una colección monumental de obras litúrgicas para órgano que a veces se denomina la Misa para órgano alemana. La compilación comienza y termina con dos poderosos pilares musicales que han sido catalogados como el Preludio y Fuga en Mi bemol mayor, BWV 552. Este último ha sido apodado la Fuga de “Santa Ana” porque su tema es sorprendentemente similar al himno inglés de William Croft del mismo nombre.

El Clave III está repleto de referencias a la numerología cristiana, especialmente a la Trinidad. El Preludio, en una tonalidad de tres bemoles, se compone de tres temas. El primero, con los majestuosos ritmos punteados de una obertura francesa, podría representar al Padre. El segundo tema, que representa al Hijo, es más tranquilo, con una elegante declaración galante, seguida de un eco. Esta sección se ha comparado con un concierto italiano. El tema final, que representa al Espíritu Santo, está lleno de contrapunto fugal con corcheas de rápido movimiento que descienden, parpadeando como lenguas de fuego. A medida que se desarrolla el Preludio, los temas se superponen, sugiriendo una sensación cósmica de unidad. El organista, Kei Koïto, explica capas adicionales de simbolismo numerológico en el Preludio, escribiendo:

El preludio consta de 205 compases, de los cuales puede derivar, simbólicamente, el número 7 (2+0+5). Desde el principio, con esta figura perfecta, símbolo de la totalidad del espacio y el tiempo (los 7 días de la semana, las 7 notas de la escala, las 7 palabras de Cristo en la cruz, etc.), Bach inaugura esta colección con una glorificación de la Perfección de Dios.

La Fuga a cinco voces también se basa en la Trinidad. Métricamente, comienza en compás de 4/4 y progresa a 6/4 y luego a 12/8. Kei Koïto observa que «la suma de todos estos números es 34 (4+6+4+12+8), o 3+4=7».

Para Orquesta (Arreglo de Schoenberg): La versión más popular para orquesta fue orquestada por Arnold Schoenberg (el compositor de la Segunda Escuela de Viena), quien la adaptó magistralmente para una sonoridad sinfónica completa.